“For my greatest triumph, 

will always be to blossom in every mind, 

just by simply being who I am.” 

“Whenever I paint, wherever I am.
It spreads within my vein, makes my heart beat, caresses my back, and heats my voice: being who I am. Call it a capacity, label it my essence, try to catch it: as the sun nourishes your soul, and the birds keep floating above you, just like in the most fantastic setting, I am unfolding. Something both fantastic and so normal, such as the minutes soon becoming hours offering us a new day, a new canvas to transform.
My art, my poise, my salt, my laughter, my poetry, my teeth, my sensuality, my sweat, the blink of my eyes, and all the new colors I discover every second.
I am an artist stuck in a beautifully chaotic whirlwind, as my greatest work of art is myself.
However, I do not think that I play a character. I do not want to copy anything, I let every mental instrument down, every trope and scheme, as I refuse to be stuck in a maze cultivated by nonsensical forces.
If I must recognize that armors made of fiction and unrealness were necessary to survive, I do it by coming up with the terms that I have to copy codes imposed on myself. However, seeing the characters born from my brush, I wonder: what nourishes the other? Inventions or reality?

Soaked with art, still overwhelmed by those emotions splashed on film rolls, I am flooded with fiction. Or is this fantasy a mere watery reflection of my reality?
In character’s dimples or landscapes’ rifts, in the great moments of nothing when everything is felt, in the depth of their smiles, or the pits of mountains, I feel home in every spine and contour: I find myself rather than technique, it is the beauty of what we call life. 

But what it is, actually? What is the raw material of this magnificence substance from where I, you, and they come from?

That sense of relief after a headache, that moment of silence you are experiencing in a quiet park, these shouts at a club when hearing your favorite song, these thorns of that rose making your fingers bleed, that moment when our eyes are locked, gazing at each other, the sweet bitterness of nostalgia, popping like a sour bubble gum: I am everywhere. I cannot be touched, only experienced. I am my everything. I just hope for you that you are as natural as I am, when not only existing but living.
If I urge you to live fully, and deeply, sometimes I know we need to take breaks to admire the process and enjoy this real-life show.

Such as the countless forces, oddities, energies, and patterns that constitute our universe, I cannot be contained within a few lines, a frame, or the echo of a song. Come closer, please, you will significantly feel my vibes that fortunately could hurry you to free yourself from everything you have poorly repeated, as unique gems are the most precious ones. And if it does not happen, it still counts, to me. 

Cold’n’hot, such as fresh drops dripping on shy buds at dawn, I become.”

Explanation of the series

Cold’n’hot is an art series centered on model, artist, and art educator, Audrey Grison @audreytheartist.

At first, we envisioned the project as an allegory of anger and were aiming to show that this emotion is complex, mirroring and connected to many other sensory channels, and part of a large spectrum of deep feelings. However, as we are willing to present Audrey’s raw and profound personality, we opted to present her character as a whole, with many more nuances, and from the blueprint of a small painting, we created a huge fresco.

Deeply rooted in the motions, tensions, and systemic occurrences of natural elements, Cold’n’hot is a circular transformation that can be read from the end to the beginning.

Cold’n’hot includes a series of mixed media photographs dedicated to the four natural elements, as Audrey, through her intense character and sharp personality, embodies their spectacular addition. 

L’eau is a series of mixed media photographs with portraits of Audrey printed on tracing paper, placed in plastic pouches where water was poured and petals incorporated. The plastic pouches were then frozen. When placed under the Sun, the light reflections of the plastic and the ice starting to melt might remind us of the water’s light reflections. 

Le Feu is a series of mixed media photographs with printed portraits of Audrey that were covered with melted crayons. The huge organic red shapes symbolize flames and the unpredictability of fire. 

L’air is a series of mixed media photographs with superimposed portraits of Audrey that were printed on tracing paper. The overlaying represents the power of the air: how with the push and pull forces of the wind, some elements are combined, all together. 

La Terre is a series of mixed media photographs with portraits of Audrey printed on plantable paper with flowers placed on the top. It is an organic short series showing the extraordinary phenomena happening in the soil, with deep roots digging the Earth little by little. 

In the first part of the digital series, Audrey appears like a single flower bud that has just been plucked out of a garden. She is isolated, and observed, alone, against a white backdrop.
This study against a clear background alludes to botanist books presenting plates of extensive floral charts, studied one by one. 
Our color palette is warm, with a special heat composed of red lipstick applied by makeup artist Candice Soukhavong, cherry tulle, and neon and golden pieces of jewelry. Though the closeups only lead us to focus on these pop colors, they all are bland and appear to be like the Sun under clouds of grey. The lack of exposure impacts the original aspect of the red hues and shades, and a thin layer, like a blur curtain, blocks the view. This paradox between the natural color of the components of the photograph and their editing conveys an impression of frustration, the central subject matter of this first part.
A topic materialized and developed through Audrey’s emotions and expressions, readable as the most interesting book ever written. With an air of impatience, she stares at her jewels, handmade creations made by Toulouse designer Marie Carrère of Maison Kurage. Audrey shows her restlessness not only to perform her job as a model and artist but to expand and grow. Just like flamboyant buds after a cold season, waiting to blossom. 
Indeed, the jewels, which were firstly toys that a cheeky child would use while hopelessly trying to spend time, or a poet whose mind would wander through the reflections of the heart-shaped pieces, become objects to release herself, like shackles she would destroy.
Audrey, in this first part, is framed through close-ups and kept. She wants to change the situation, or maybe to escape boredom, maybe move, maybe grow, the viewer doesn’t know. What is certain is the switch in the relation of authority with the camera, that is gazing at her. And suddenly, she closes her eyes and breaks the circle. 

In the second part of the digital series, Audrey falls asleep and seems to indicate to the viewer that, due to her relationship with the camera and position, she is tamed and gives up. What a lure.
Just like we would love to smell the perfume of a fresh flower, we bend over her in a series of high-angle shots, just to admire her wonder. Welcoming us directly into the core of her flower, between petals of tulle, she has us by the throat. While she gazes at us, she provokes a moment of intimacy and confrontation, though she actually doesn’t care as she is just here to grow and naturally does it. The red tulle encircling her can be labeled whatever the viewer wants: a cocoon, a safe space, or Audrey’s vibrancy striking you. Such as the energy that she has injected into the series, the colors become warmer and more aggressive. 
Audrey, then, takes the bulls by the horns and transforms herself, and carries us with her into a luxuriant place. We take a few steps from her, to admire nature. Nature, that shot after shot is revealed, and such as the green scenery taking more and more space through each shot, Audrey’s power is expanding, like the most beautiful rose of a garden.
The setting and our ability to admire it symbolize what has always been there: an organic beauty, that when we tried to label it, was just digging its roots deeper in the ground, to blossom, and so is Audrey. The more distance we take, the more her petals grow, and the more room she takes, wherever her eyes go. Little by little, we admire her as a whole, an entity with a beautiful organically dyed dress by l’Atelier Maison (Toulouse, France).
The white backdrop shows her taste for drama and staging. In the first part, its use through close-ups was a means to enhance Audrey’s isolation, and now it is just a prop that she uses as she wishes.
The passage from a scrutinization and a dissection in the first part to a full admiration in the second sequence is part of the evolution between Audrey and the viewer. Like the tale of Jack and the Beanstalk, the viewer is a spectator when facing Audrey that calls the tune in the series. 

We are observing her universe, the one that she is creating. The volume around her is developing.
Wherever Audrey goes, she makes something and performs. It tackles the dichotomy between reality and fiction.

The different participants of the series 

Cold’n’hot took place in the Natural History Museum of Toulouse @museumtoulouse (Southern France) and the garden of Musée George Labit in Toulouse @museegeorgeslabit (Southern France) as well.

Faiza Berg @fai_berg – Assistant 

As Audrey’s care assistant during the photo shoot, Faiza was involved to the fullest extent possible. She helped us to create a beautiful setting in the museums and managed to transform our vision into a reality by making sure that our scenery was comfortable and practical for Audrey. A true second fiddle, she constructed our visual story by giving us valuable arguments, leading us to materialize a sensible, coherent tale, one whose details are greatly perceptible. There is indeed a touch of Faiza’s sensitivity and cheekiness in Cold’n’hot.
She helped Audrey with her poses, changed the different chairs we used, and ensured that Audrey’s character on screen corresponds to the artist’s spirit and stamina, as the principal topic of this editorial is only Audrey Grison.
A true nature lover, she enjoyed this first unique experience in the quiet Natural History Museum and the Musée George Labit of Toulouse.

Candice Soukhavong @candicesoukhavong – Makeup artist 

A former nurse and now a makeup artist, the values that were necessarily part of her job are present in her professional artistic practice. She always takes great care of the models’ faces, and delicately manages to create characters from her brushes, gloss, and light pigments. She gave us her testimony concerning the Cold’n’hot experience.
“If this life is just like a big game, it is so much worth it. It offers me incredible moments, thanks to my job as a makeup artist: a private visit to these beautiful museums full of elements from our past that blow my mind, as if I was just five years old. And then, I enter: it is my time to focus and act. I have to enhance the beauty of this hell of a woman, who is so magnetic, charismatic, with over-powerful instincts that she manages to fully spread into her art. While gazing at you, she scans you, and then, you know that she knows: she hears you, she understands you, and she gets you. So, for these two totally different types of makeup, I give myself a mission: beautifully showing her fine features and prettifying them. I tame the tear that beads on her cheek, to show her power. And then, there is the meeting with Marie, with her camera in her hand. She has immersed herself within this rich setting and invites us into her small world behind her lens. We have a sneak peek of the result on her small camera’s screen, and I am already hooked by the colors, makeup, staging, and the story Audrey and she have decided to write together. The photographs are raw, the colors are beautiful, and the atmosphere is beautiful and simple. No need to add something more here, I live in the present moment, as it happens and when I experience it. In the end, I am looking forward to seeing the results of this project, and take this beautiful tableau with me, as these two beautiful persons carry you with them, in their human and artistic world that we all need today”

Marie Melis @danslateliermaison – Natural dyer

Marie Melis is a French designer, florist, and textile colorist. 
Starting with onion peels as her raw material, she began to learn the technique of natural dyeing a few years ago in her kitchen in Toulouse (southern France). Alongside her studies as a florist, she perfected her knowledge about the natural chemical processes of plants and flowers, both as scientific objects and primal matters of an artistic approach. Now the owner of her studio and educator, she can teach her meticulous method and share her expertise with any person looking for natural and economical alternatives within the fashion industry. 
Marie can transform a wide range of items: from a hanging decorating a wall to your go-to purse, all made with old pieces of fabric (hers or her customers’) that she organically dyes. As she said: “we can make everything with fabrics, peels, and petals.” 
She pays a lot of attention to textures and colors, and her environmental footprint as well. This is why she uses wilted vegetable peels and withered petals as her only ingredients for her dying process. 
Mainly inspired by the sky, the uncanny shapes of clouds, and mind-blowing natural colors, Marie is always deeply involved and committed to any fashion editorial. She must find local made-to-be-thrown-away ingredients whose pigments enhance a particular piece of clothing, central to an editorial. 
For Cold’n’hot, Marie managed to fully color a white dress in old pink, only using madder roots. The fully pink-colored garment was the core of Audrey’s transformation when showing her true unapologetic self, like the ovary of a flower.

Marie Carrère @maisonkurage – Jewelry designer

Formerly one of the most prominent florists in Toulouse, Marie Carrère has decided to dedicate her career to her brand, Maison Kurage. Maison Kurage is the jewel counterpart of La Fleur de Chardon (her former floral workshop), which allows her to be much freer, as she doesn’t follow any aesthetic rules concerning her designs.
The central theme comes from her mind and her experiences as a florist. She launched her brands with a major masterstroke, deeply connected with her former occupation: transparent pieces of jewelry with inlays of petals and gold plates. She indeed creates harmony between gold leaves with precious flowers’ petals, captures them into resin, and thus creates jewels dedicated to every person, as each piece represents a gilded moment frozen in time, each movement elegantly and eternally anchored within her customers’ lives. These are ornaments, evocations of modern art, or timeless gifts that should be transmitted. 
Maison Kurage represents a creative mind that has expressed itself and continues to do so. 
As a florist, Marie created soft touches of gracefulness in her balance between her chosen flowers in her bouquets, whatever the smoothness, roughness, and fragile hue of her components, she manufactured small echoes between her flowery elements. A willingness that is present in the expansion of her jewelry range, as her design process, only in sync with her imaginative spirit, is now developed between golden chains and small pearls. 
In the editorial Cold’n’hot, all the jewelry pieces are labeled Maison Kurage. In the vast collection conceived by Marie, we have found delicate details part of Audrey’s evolution: through the use of chains and numerous rings in the first part and the softer and more colorful earrings in the second part of the series.


The visual series echoes our daily construction, how we evolve little by little, through colors, darkness, light, patterns, and textures. Cold’n’hot encapsulates, through more than sixty photographs, every second of this endless rhythm, made of small revolutions, like the birth of every new nature’s creation. Rather than existing because of a finishing line, and focusing on a bigger picture, this art series represents all the details of a moment, it lets us ponder on the process of not only existing but living, each short instant becoming an incredible adventure.  

Cold’n’hot is about the power of awareness, stirring up our senses, being itchy about showing yourself to the world, craving for peace, and wandering into your universe quietly, but with some strength and vigor that no one could compete against. It is about being, without mentioning flaws or perks, without being stuck between curses and blessings. Being without Manichaeism and dichotomy. 

We felt like painters trying to brush out this great adventure that is life. The world is our garden, and we need more natural plants, as unique as Audrey.

I do belong here

“Pourquoi se prendre en photos ? Pourquoi les partager ? Pourquoi vouloir être publié.e ? Pourquoi désirer porter des pièces qui nous transforment, des armures qui nous enveloppent, nous rassurent, nous permettent de devenir des personnages insufflant la liberté et la force d’être nous-même ? Pourquoi donner vie à des créations faites mains, imaginées par des esprits dont la réflexion ne s’arrête qu’aux premiers claquements des machines à coudre, aux premiers fils pénétrant le tissu ? Pourquoi créer une trame ? Pourquoi tisser des liens ? Pourquoi chercher à rencontrer l’autre ? Pourquoi créer un univers humain et coloré ? Pourquoi inspirer l’autre, et le nourrir de belles histoires visuelles, celles qui marquent, qui donnent de l’espoir, nous appellent, le temps de feuilleter un magazine ou de regarder un défilé ?” 

Toutes ces questions trouvent soudainement leurs réponses lorsque Flo Fortune ouvre la porte de cette cette grande salle de danse, entouré.e d’arbres, de soleil et de silence. 

Flo, modèle professionnel.le qui comme l’écho de ses pas sur le sol demeure discret.ète, délicat.e, et n’attend qu’une chose : que la caméra se tourne vers iel pour pouvoir la capter et la dompter. 


“Why do we take pictures of ourselves? Why do we share them? Why do we want to be published? Why do we desire to wear pieces that transform us, armors wrapped around us, there to reassure us, allowing us to become characters injecting freedom into our lives, and granting us the strength to become ourselves? Why do we give life to handmade creations, conceived by spirits whose thoughts only stop at the first clanking sounds of their sewing machines or when their threads puncture fabric for the first time? Why do we create threads between all of us? Why do we forge ties? Why do we want to meet each other? Why do we create a human and colorful universe? Why do we inspire each other, feed each other with beautiful visual stories, the ones that smoothly impact you, remaining embedded in your mind? The ones that give you hope, that beckon you, when leafing through glossy pages or watching a fashion show?” 

All these questions suddenly find an answer when Flo Fortune opens the doors of this grand dance studio, enveloped between high trees, sun, and silence.
Flo, a professional model, arise quietly and elegantly, such as the echo of their steps on the floor. They are waiting for one thing only: that the camera revolves around them to catch and control it.

Cette salle, ce lieu clair constitué de miroirs, glaces et barres de danse est bien plus que le théâtre de Flo : il s’agit d’un lieu de découvertes et d’expressions, d’un espace qui lui appartient, son chez soi. Tant iel s’installe où iel le souhaite, comme iel le souhaite.
Car là où il y a une caméra, Flo trouve sa place, imposant.,e et nuancé.e, vulnérable et étincelant.e de confiance, avec une envie qui fait rapidement battre son coeur et traverse la pulpe de ses doigts : inspirer. Inspirer par sa créativité, par son jeu d’acteur.rice, et surtout, par son aura lumineuse.
Ce shooting est l’histoire d’une venue, d’une arrivée, celle de Flo Fortune. 


This dance room, this light place built with mirrors, openings, and dance bars, is more than Flo’s theater: it’s a place of discoveries and expressions, an area that is theirs, their home. By taking much room, they make space and paths for people that are real, just like them.
Because wherever there’s a camera, Flo finds their spot, imposing and nuanced, vulnerable and blazing with confidence, with a need that makes their heart beat faster and travels through the pad of their fingers: inspire. Inspire by their creativity, by their actor’s performance, and mostly by their luminous aura.
This photoshoot is the story of an entrance: Flo Fortune’s.

Cette rencontre est d’abord brutale d’émotions, tant Flo, une étoile filante atterissant sur Terre, apparaît brut, sculpté.e dans la matière, l’effervescence et les rayons de soleil. Iel nous fait face, sans trop savoir qui est le.a spectateur.trice et l’acteur.rice, qui guide l’autre dans son jeu. Iel commence petit à petit à nous encercler, nous accrocher de son regard et à nous éclairer. Iel apprivoise ce lieu, joue avec les miroirs, se retourne, nous observe, avec une vigueur teintée de colère et d’une maîtrise de l’inconnu, puis, l’allure impérieuse se distance.
La distance est alors un moyen, sa baguette magique pour devenir plus magnétique encore, tant on ne veut plus lae quitter des yeux. Plein.e d’assurance et de force, iel s’approche de nous, son regard criant sobrement “je suis là”, son corps portant si bien sa tenue signée Eternel Ephémère et Noémie de Vime, et son cou paré de doré, ses mains de reflets d’argent et ses oreilles de faisseaux lumineux. 


This meeting is firstly abrupt with emotions, as Flo, a shooting star, have just landed on Earth. Plain and raw, they are sculpted within the matter, sunbeams and effervescence. They face us, and we do not know clearly who is the spectator and who is the actor, who leads and guides the other in their pursuit, their game. Little by little, they start to surround us and soon encircle us, frame us when gazing at us, and eventually, enlighten us. We feel it. They tame this place, challenge with their mirror’s reflections, spin around and turn over, and inspect us with a vigor tinged with anger and the mastery of uncertainty. Their shadow offering us the contours of their imperious presence disappears under flashes of bright light as they distance themselves from us. Distance becomes a device, a cloak that they both elegantly don and cast upon us, to become more and more magnetic, as we simply cannot take them out of our sight. 

Flo termine sa course, par un véritable tour de force tranquille en demeurant dans son cocon, nous regardant droit dans les yeux avec ce pouvoir dont iel tire une énergie presque inépuisable : sa tendresse. Une tendresse qui était présente dès le départ, à travers ce shooting qui représente une main tendue vers l’autre, faite de regards complices, d’empathie, et d’une envie de nous ouvrir son univers, pour que personne ne se sente seul.e, et que tout le monde soit inspiré.e pour créer à son tour son monde personnel fait de portes ouvertes vers autrui


Their force and confidence take your breath away as they are approaching, a soft tension transpires, cold and sharp, the one that slowly sends you shivers, for they are whispering with their eyes: “I am here”. Three words not yelled, not shouted, not even pronounced with their mouth, as Flo have been freeing themselves from any stereotypical relations of domination. They do not need to dominate, yet to simply be. And they become who they are with an attire imagined by their deeply rooted fertile mind. They give birth to an organic outfit with a Noémie de Vime Paris dress, Eternel Ephémère lingerie, and their neck adorned with gold, their hands, silver reflections, and their ears radiating with a flickering glow.

In a quiet tour de force, Flo race to the finishing line by fading into their luminous cocoon, facing us, staring into our eyes, with a resource from which they seize an almost unlimited energy: their tenderness. A tenderness present right from the beginning of this photoshoot and defined as an outstretched hand. It is made of discovering looks that become knowing glances, empathy, and a soul craving for openness. It is an invitation for coming into a singular universe, so that nobody feels no longer alone, and that everybody feels encouraged to create its inner little world, made of unlocked doors towards someone. 

L’histoire du shooting 

Ce shooting est composé en trois parties. 

La première partie représente l’arrivée de Flo Fortune. Une apparition en simplicité et lumière, comme lorsqu’un.e inconnu.e débarque et déboule dans votre vie avec un fracas qui ne peut que vous marquer l’esprit.

La caméra, lae serrant en plans poitrines l’écrase presque à travers son cadrage, mais Flo maintient le regard et s’ancre de plus en plus, au fil des photos : statique, fier.ère, le dos certainement pas courbé. Les bras croisés autour de ses épaules dessinées et de son buste droit, son langage corporel nous indique qu’iel prend confiance en iel, tant iel ouvre les bras, place ses mains sur ses hanches et sa tête, et respire.
Grâce au grand rideau blanc placé derrière iel, iel est emmailloté.e de lumière. Comme dans une chrysalide, iel se meut peu à peu, bouge et grandit à chaque seconde. Une évolution lente et sûre.
Ce décor plus que minimaliste nous permet de nous concentrer uniquement sur Flo : comme une première rencontre dans un film (mais sans ralenti gênant), on ne fixe qu’iel, il n’y a qu’iel. Le ton est donné à travers ces premières photographies.
Petit à petit, Flo se détache et montre son confort en dépassant littéralement le cadre et c’est ainsi iel qui mène la danse.


The story of the fashion editorial

This editorial series is divided into three parts. 

The first part characterizes Flo Fortune’s first appearance. A simple and brilliant appearance, just like when an until-now unknown person shows up for the first time in your life and carves the shape of your life forever, connecting new stars to your personal constellation.

The camera encloses them in medium shots that almost crush them in their framings, yet Flo maintain a direct gaze toward the device, fixing themselves firmly on the ground and, shot after shot, anchor in their reality. They are static and proud, and their back certainly is not bending. With their crossed arms around their pronounced shoulders and their straight back, their body language indicates that they take confidence in themselves since they open their arms, place their hands on their head and hips, and breathe.
Because of the great white curtain placed behind them, they are swathed in light. Just like in a chrysalis, they slowly stir, move, and grow at every second. Slowly but surely, they evolve.

This more than minimalist setting only lets us to focus on Flo: like the first encounter in a movie (but without any awkward slow motion), we only look at them, there is only them. The tone is set in these three photographs. Little by little, Flo untie themselves, come away and show how comfortable they are by literally exceeding the boundaries of the outline’s limits, and that is how they call the shots.

En pleine transition, on retrouve le grand drap blanc au loin, mais Flo nous entraîne maintenant face aux imposantes glaces, qu’iel utilise pour développer son identité et marquer sa force.  

Se retournant subitement, iel montre quelques traits de son caractère et de son autorité naturelle, comme un premier mouvement d’une symphonie dont iel serait propre maestro.a. Après ne pas avoir baissé le regard lorsque la caméra lae fixait, iel passe à l’attaque, comme si on l’avait trop scruté.e et qu’iel avait dit “ça suffit”. Au lieu d’utiliser les miroirs pour s’observer et être face à iel-même, iel s’en sert comme outils pour enrichir sa relation à l’autre et appuyer son regard ainsi que son expression. La lumière, qui l’encerclait lors de la première partie, est projetée autour d’iel, montrant son pouvoir.

Les vues suivantes en contre plongée sur son port altier signalent qu’iel domine le rapport de force, et développe son identité, comme une plante dont les racines creuseraient le sol et fleuriraient l’espace de ses nuances. Un rapprochement et une main passée sur son visage et Flo se métamorphose. Des plans plus serrés et sa main tendue vers la caméra marquent un moment décisif du shoot : c’est iel qui, porteur.euse d’une lumière, dirige la caméra. C’est ainsi que débute alors la seconde partie.

Comme par symétrie, on lae retrouve devant les glaces, cette-fois ci plus en position d’attaque, mais comme ressourcé.e, comme si iel avait marqué ce territoire de son indépendance. Le drap placé sur le côté n’occupe qu’un quart de l’espace, montrant que Flo se sépare peu à peu de sa bulle dans laquelle iel a crû pour désormais déployer son jeu d’acteurice, en préservant sa source : sa personnalité, son histoire, qui iel est. Iel prend désormais son élan depuis ses glaces, dont iel se servait comme armes, et tel une flèche accrochée à des cordes tendues, iel fonce dans l’air, après une profonde respiration, les yeux fermés, plein.e de serrenité. C’est iel qui transforme le plan pied en plan poitrine, courant droit vers nous, totalement maître de ses actes. Comme un réveil après un long songe, Flo n’est défintivement pas là pour nous sonder, se méfier, ou attaquer : mais bel et bien pour vivre et exister, par iel-même, pour iel-même. 


During a transitional phase of the editorial, the massive white curtain is still present remotely, and Flo take us now to face monumental mirrors that they use to unfold their identity. They leave the mark of their force on transparent and reflecting material.
Suddenly, they turn around and show some character traits and features of their natural authority, just like the first movement of a symphony of which they would be their own maestro. After not lowering their eyes when the camera was focusing on them, they now move into action, as if we have scrutinized them for too much time and they ended it by saying “that’s enough”. Instead of using mirrors to examine and face themselves, they use them as tools to enrich and fulfill their relationship with the other, pressing their regard and expression at us. The light, that was belting them during the first part, is now cast around them, showing their might.

With their low-angle shots, the next photographs haughtily enhance Flo’s unique way of holding their head. They also both signal that they dominate the balance of power and develop their identity, like a plant whose roots would dig the ground and flourish the space with its nuances. Flo, afterward, come closer, run their hand through their face, and then, the metamorphosis happens. A decisive moment takes place when a few close-ups are shot and their hand is held out towards the camera: it’s them, who, carrying a powerful light, manage the appliance. It is then how the second part starts.

Just as if the magic of symmetry happened, we find them again, this time not in attack position, but revitalized, as if they just labeled this territory with their independence. The white curtain then only occupies a quarter of the space, showing that little by little Flo comes to terms with the bubble in which they used to expand. They now pierce it. They ultimately deploy their acting performance while preserving their greatest resources: their personality, their story, and who they are. They get warmed up in front of the glasses that were their weapons, and just like an arrow hung to tight strings, they rush into the air. After a deep breath, eyes closed, full of serenity. They transform the long shot into a medium one, running to us, in control of themselves and their actions. Just like after a long dream, Flo is definitely not there to fathom us, be wary of us, or even attack us: yet, to truly and only to live and exist by themselves, for themselves.

La troisième partie du shooting n’est pas un repli ni un retour mais une concentration : sur l’aura de Flo. Il s’agit d’un point final éclairé par son caractère, par qui iel est : après un échange de moments de tensions, de regards, d’une juste lutte d’autorité, et d’un moment de sport et d’art, Flo nous indique alors qu’iel ne fait qu’exister, qu’iel n’est que là pour expirer, inspirer et rester. Ce troisième acte placé devant le rideau blanc est le pendant de la première partie du shooting, à une nuance près : Flo n’est plus éclairé.e de lumière, iel est la lumière. Se présentant avec son meilleur bouclier à savoir ses bras, iel baisse peu à peu sa garde, tout en nous faisant finalement comprendre qu’il ne s’agissait pas d’une lutte, mais d’un besoin de s’ancrer dans sa clarté, sa pureté et sa vérité.


The third part of the editorial photoshoot is not a withdrawal or a shift into reverse, but a new focus on attention: on Flo’s aura. It is an ultimate period brightened up by their personality, by who they are. After long and tense moments resonating with looks, a fair battle of authorities, art, and sport, Flo show us that they do belong here, They are here just to breathe in and out, inspire and stay. This third act happening in front of the white curtain matches the first one of the series, with a slight difference: Flo is not illuminated, they are the light. Presenting themselves with their arms, their greatest shield, they drop their guard while making us understand that it was not a struggle, but a need to be embedded, in their lightness, purity, and truth.

Ce shooting est composé de plusieurs mouvements, entre chorégraphie et symphonie. Bien plus qu’une rencontre avec “l’autre”, il s’agit d’une découverte d’une personne : Flo Fortune.
Entre jeux de questions “qui chasse l’autre”, “qui se confronte à l’autre”, “qui s’impose à l’autre”, Flo révèle alors qu’il ne s’agit pas d’une récréation, mais alors d’une marque : celle d’une présence dans nos vies. Ce shooting symbolise alors les différentes émotions, moments et actes de suprise, timidité, sursaut que l’on ressent lorsqu’un être jusqu’ici inconnu, va prendre une place colossale dans votre vie par le simple fait d’être lui-même, le tout avec une lumière qui ne peut s’éteindre puisque crépitant dans notre esprit.

Ce shooting peut se lire depuis la première partie jusqu’à la troisième, et dans le sens inverse. Le but étant de créer une circularité et de renforcer l’importance de la personnalité de Flo et son immuabilité. Qu’importe la lecture que l’on apporte à cet éditorial : Flo reste la même personne, et sa lumière, éclairant d’abord le monde et le transformant, est avant tout pour iel.


Caught between a choreography and a symphony, this editorial series is composed of several movements. More than a meeting with “the other”, it is a discovery of a person: Flo Fortune.
Between question time “who is chasing the other”, “who is confronting the other”, and “who is imposing on the other”, Flo reveal that it was not recess time, but a landmark moment: the one time we feel a new presence within our lives. This photoshoot encapsulates a whirlwind, it epitomizes the different emotions, moments, hops, bounces, and acts of surprise and timidity that we make and feel when an unknown person soon starts to take a colossal place in our life. This, simply by being themselves. This, with a light that cannot be shut off as it crackles in our minds.
This series can be read from the first part to the third and from the third to the first. We aimed to build circularity and reinforce Flo’s personality and its immutability. Whatever the reading you make of this editorial, Flo remains the same person, and their light, firstly a beacon of hope for the world that they soon transform, is their primary source, only for themselves.

Les différentes participantes du shooting

L’Abricot Bleu @labricotbleu 

“Doux et acide comme l’abricot”, c’est ainsi que Zoé, artisane d’art, définit sa marque l’Abricot Bleu. Ses quelques mots suffisent pour saisir les carrures graphiques de ses pièces en argent 925, or et vermeil. Zoé réussit en effet le pari de proposer des pièces colorées et empreintes de vie à partir de matières froides. Une essence glacée martelée et travaillée en fonction de l’esprit de la créatrice et de ses objectifs, atteints à chaque collection d’une main de maître : habiller une peau nue d’une symbolique amoureuse, accrocher de la géométrie à des lobes d’oreilles, ou, comme pour le shooting avec Flo Fortune, marquer chaque phalange de griffes d’argent. Des pièces toutes en volume, faites d’opulence et de finesse, qui apportent de la créativité puisque l’empreinte de Zoé s’allie avec l’individualité de chacun.e.
Zoé crée des détails dédiés uniquement à chaque personne portant ses créations, tant sa mission première est d’abord d’élaborer une intimité entre ses clients.tes et elle, un lien confidentiel qui se forge à chaque ouvrage frappé de ses touches sensuelles.
A travers les bagues de Zoé, présentes dans ce shooting, nous avons pu montrer la sensibilité du caractère de Flo, marqué.e jusqu’au bout des ongles, grâce à des détails d’argent créant presque un poing américain soigné et acéré comme l’esprit de Flo Fortune.


“Sweet and sour like apricot flavor”, is Zoé’s catchphrase to define her jewels brand, “L’abricot Bleu” (Blue Apricot). These few words are enough to visualize the graphic lines of her 925 silver, gold, and vermeil pieces. Zoé indeed realizes her goal of offering colorful and lively pieces, starting from cold materials. Her icy essence is hammered and worked in sync with the free spirit of the designer and her objectives. These are completed in each of her collections with a masterful hand. She wants to put on a symbol of love on a bare neck, to fasten geometry to ears’ lobes, or, as for the photoshoot with Flo Fortune, imprint each of our knuckles with silver claws. Made of opulence and finesse, her all-in-volume pieces are a call for creativity since Zoé’s touch is combined with our special individuality. Zoé creates details dedicated solely to each person wearing her creations, as her primary mission is first and foremost to develop an intimacy between her clients and her, a confidential bond that is forged with each work implemented by her sensual touches.

Through Zoé’s rings, present in this photoshoot, we were able to show the sensitivity of Flo’s character. A sensitivity shown from the tips of their nails, thanks to silver details creating almost a neat and sharp knuckle-duster, just like the spirit of Flo Fortune.

Anna Shelley

La matière, juste la matière, seulement la matière : plus qu’un choix, c’est l’engagement que la marque Anna Shelley a pris, et que la créatrice honore à chaque collection. Au fil des saisons, le refrain de la marque prend de l’ampleur et se caractérise de pièce en pièce, puisque la direction artistique réside entre art et nature, un équilibre où la griffe d’Anna Shelley trouve sa propre dimension. Des pierres restant bruts, telles qu’elles, presque cueillies dans les univers colorés d’Anna. “C’est comme apprendre à voir le monde tel qu’il est, sans artifice.”, comme le dit si bien la créatrice. Une expresssion tout aussi honnête et sincère et marquée à travers les contours organiques de ses colliers, boucles, bracelets et bagues. Des colliers parant des cous de trésors comme issus de planètes inconnues, des boucles comme seules la nature pourraient les structurer, des bracelets et des bagues encadrant des poignets et des doigts de roches et de maillons de gold-filled, telles des planètes et leurs orbites. 

Durant ce shooting, nous avons emprunté à Anna un collier “Zoé”, composé de résine et de feuille d’or, une pièce symbolisant parfaitement l’essence de Flo Fortune, et sa capacité à refleter sa propre lumière chez autrui. 


“I see it, I touch it, I celebrate it”: more than a choice, it is the commitment that the brand named Anna Shelley has made regarding their relationship with their raw material. The designer honors her pledge within each collection. Over the seasons, the brand’s chorus becomes louder and more complex, and each of the pieces uniquely resonates with it. Indeed, the artistic direction resides between art and nature, a balance where Anna Shelley’s signature finds its own dimension. Natural stones and gems, remaining as they are, feel like they are almost picked from Anna’s colorful worlds. “It’s like learning to see the world as it is, without the need to revamp it,” as the designer so aptly declares. A saying that is just as honest and sincere and visible through the organic contours of her necklaces, buckles, bracelets, and rings. Necklaces adorning necks with treasures from unknown planets, pendants as only nature could structure them, bracelets and rings framing wrists and fingers sith rocks and gold-filled links, like planets and their orbits.

During this photoshoot, we borrowed from Anna a “Zoé” necklace, made of resin and gold leaf, a piece that perfectly symbolizes the essence of Flo Fortune, and their ability to reflect their own light on others.

Cécile Dall’aglio @cecile.dallaglio_jewellery 

Lorsqu’elle façonne le laiton qu’elle dore à l’or fin ou qu’elle plaque d’or, Cécile Dall’aglio n’a qu’une idée en tête : le mouvement. Ainsi, sa collection nous offre une chorégraphie harmonieuse de courbes, ondulations et plis épousant parfaitement nos formes les plus discrètes. Chaque pièce semble faire écho à l’autre tant le laiton martelé serpentant autour d’un poignet se retrouve en éventails couronnant des lobes d’oreilles puis se love autour de nos doigts, leur offrant une nouvelle silhouette faite de flux dorés capturés. Les inspirations de Cécile sont multiples et sont concrétisées en des pièces uniques qui, à leur tour vont animer bien des esprits. Le tout, grâce à sa capacité à créer des formes nous rappelant des reliefs naturels et lignes sauvages que l’on retrouve dans de nombreux paysages finalement étayés dans le laiton. Son style s’affine à mesure de ses créations, se déclinant en touche finale parfaisant chaque tenue et chaque profil, complété par des rondeurs et figures brillantse, porteuses de lumière.
Nous avons utilisé plusieurs colliers issus de la collection “Flamenco” de Cécile Dall’aglio : trois sautoirs sont portés lors de la première partie et un sautoir avec un grand médaillon est arboré durant la dernière partie. Les trois premiers sautoirs entremêlés lors de la première partie peuvent induire un état de confusion, propre à cette rencontre, tandis que le seul médaillon porté en troisième partie montre une simplicité, une clairvoyance que Flo Fortune utilise pour illuminer la pièce autour d’iel.


When she works with brass, shapes it, and gilds it with fine gold, Cécile Dall’aglio has only one concern in mind: movements. That is why, in her jewels collection, she presents to us a harmonious choreography of curves, undulations, and folds delicately enhancing our most discreet features. Each finery seems to echo the other, like the textured brass winding a wrist matching earrings crowning earlobes and gilded spirals coiled around our fingers. They offer a new silhouette made of natural golden flows that seem to have been forever captured by the craftswoman. Cécile’s inspirations are multiple and are materialized in unique details which will fire up many minds. Her jewelry only exists thanks to her ability to create shapes reminding us of the natural reliefs and wild outlines that are found in many landscapes finally unfold in brass. Her refined style is developed into golden shades, final touches perfecting many outfits and silhouettes, complemented by small curves and brilliant figures, carrying light.

Several necklaces from Cécile Dall’aglio’s “Flamenco” collection were used in “I do belong here”: three necklaces are worn during the first part and a necklace with a large medallion is worn during the last part. The first three necklaces intertwined together in the first part can induce a state of confusion, specific to this first meeting, while the only medallion worn in the third part shows that a moment of simplicity has been reached, insightful enlightenment that Flo Fortune uses to illuminate the room around them.

Eternel Ephémère @eternel_ephemere_underwear 

Eternel Ephémère est une promesse faite et assumée : celle d’un artisanat français, d’une dentelle de Calais et de pièces réalisées à la main, inspirées principalement par des histoires naturelles et romantiques. Au contraire de la plus fragile des fleurs qui s’effeuillerait dans le temps, les créations Eternel Ephémère, véritables cuirasses de trames ajourées s’entremêlant finement, nous englobent et ne font qu’un avec nous. Au fur et à mesure qu’on les porte, à travers les formes délicates et résistantes conçues par Manon, les pièces aériennes aux motifs que l’on a presque dans la peau nous permettent d’aimer notre corps tel qu’il est, sans multiple artifice, sans le serrer ni l’étouffer. Manon, créatrice de la marque, a nommé chaque élégant fruit de son travail par un prénom, comme si ses différentes créations n’étaient que des amies voulant notre bien. Des bodys comme crysalides aux tangas qui adoptent et réhaussent notre galbe élégamment et d’une manière si unique, qu’on aurait l’impression de toujours avoir eu une pièce Eternel Ephémère dans notre tiroir. 

Pour ce shooting dédié à l’existence et au fait de prendre de l’espace, l’ensemble Eternel Ephémère que Flo Fortune porte a été une authentique carapace qu’iel a fièrement déployé, lui permettant de se confronter à la caméra. Telle une mue, un mariage parfait avec son corps, les créations de Manon ont su révéler Flo, telle la personne vraie qu’elle est, naturelle, entière et délicate.


“Eternel Ephémère” is, first of all, a promise made and kept: a long pledge implying French craftsmanship, Calais lace, handmade design, and inspirations coming from natural and romantic stories. Unlike the most fragile flower that would wither over time, the Eternel Ephémère design could be described as an authentic body armor made of finely woven and intertwined threads, becoming one with us. As we wear them, and because of the durability implied by their stretch factor, the ethereal undergarments and their patterns that we almost have under our skin allow us to love our body as it is, without multiple artifices, without tightening or smothering it. 

Manon, the designer of the brand, has named each elegant fruit of her labor with a first name as if her different pieces were friends wanting our best. Bodysuits like chrysalides and thongs that elegantly embrace and enhance our curves in such a unique way, that it seems like there has always been an Eternel Ephémère’s piece of underclothing in our closet.

For this photoshoot dedicated to existence and taking up room, the Eternel Ephémère ensemble that Flo Fortune is wearing was like a beautiful frame that she proudly showed, allowing them to confront the camera. A perfect marriage with her body, Manon’s designs have revealed Flo, like the true person that they are, natural, real and delicate.

Jeannette @jeannette.atelier 

Jeannette est bien plus qu’une marque pour sa créatrice, Caroline Aurousseau : elle est une longue partition sur laquelle elle inscrit toutes ses nuances faites de densités, textures, et différentes dimensions de laiton. La créatrice ne suit que sa propre sensibilité artistique formant une mesure et une logique gravée dans chacune de ses créations : chaque collection est composée de moments forts, comme des points d’orgues, et de subtiles notes de fond nécessaires à l’harmonie de la collection, oeuvre globale de Caroline Aurousseau.
Comme pour chaque mélodie, il faut s’approcher de chaque pièce pour en découvrir les enchevêtrements complexes faisant naître du beau : sur les maillons du bracelet Louise, on remarque des stries discontinues, venant saccader la matière travaillée comme un rectangle devenu naturel, sur ses cercles presque parfaits de ses boucles d’oreilles Rosâ Louisa, des pliures faites à la main d’une irrégularité naturelle, presque astrale.
Le collier Ysee utilisé pour le shooting composé d’une maille mobile ajourée a permis de créer une corolle ronde et harmonieuse autour du cou de Flo Fortune. Portant ce collier au moment du shooting où Flo s’affirme d’avantage, le bijou apporte beaucoup de tenue et de complexité, propre au caractère de Flo : un collier au poids léger, très marquant, sans lourdeur, et tout en finesse. 


Jeannette is much more than a brand for her jeweler, Caroline Aurousseau: it is like a long musical arrangement on which she inscribes all her nuances made of densities, textures, and different dimensions of brass. The designer only follows her own artistic sensibility forming pacing and a logic engraved in each of her creations: each collection is composed of strong moments, like fermatas, and subtle base notes necessary for the harmony of the collection, the global work of Caroline Aurousseau.

As for each melody, you have to take time to listen carefully and isolate each piece, like we would do with music notes, to discover the complex entanglements, like musical tunings, giving birth to beauty: on the links of the “Louise” bracelet, we notice discontinuous streaks, disrupting her material worked like a rectangle that has earned natural features, on the almost perfect circles of her “Rosâ Louisa” earrings, handmade folds of a natural and almost astral irregularity.

The “Ysee” necklace used for the photoshoot, made up of a mobile perforated link, forms a round and harmonious corolla around Flo Fortune’s neck. Wearing this necklace at the time of the photoshoot when Flo asserts themselves more intensely, the piece of jewelry conveys a lot of complexity to the editorial series specific to Flo’s personality: a lightweight necklace, striking without any heaviness, and all in finesse.

Maaad Boutique @maaadboutique 

Maaad Boutique pourrait être un décor d’un clip pop ou un studio où réaliser ces photographies les plus Instagrammables tant l’esthétique y est présente du sol au plafond. L’amour du vintage d’Aline, gérante de la boutique, traverse les pièces qu’elle a chiné avec passion : à travers du mobilier art déco et ses formes rondes et sculptées, un bestiaire animalier à adopter sur notre bureau et salon, des luminaires dont les époques se confondent, et des bijoux devant lesquels on s’arrête. De la plus petite pièce jusqu’à sa trouvaille la plus imposante, Aline est passionnée et raconte avec détails les histoires de ses trésors non pas du passé mais devenus intemporels tant la qualité fait unité chez Maaad Boutique. 

Bien plus que de citer l’historique de ces articles de belle facture comme une fiche Wikipédia, ce qu’Aline aime avant tout c’est le travail présent derrière chaque pièce, provenant d’une petite série ou réalisé à la main, et la touche si particulière présente sur chacune d’entre elles, comme une signature. Des signatures multipliées, d’artistes timides ou sorties de grandes maisons, à observer. 

Le prisme et les crystaux étant les principales inspirations de ce shooting, Flo Fortune a trouvé chez Maaad Boutique des artefacts reflétant la lumière, de la géométrie en verre et également des boules discos : des formes et textures variées, comme la sélection grandiose d’Aline. 


Maaad Boutique could be the decor of your favorite pop artist’s clip or a studio where to take the most Instagramlovable shots, since a keen sense of aesthetics is present from floor to ceiling. Aline, the manager of the shop, does love vintage and her affection covers the pieces she has bargain-hunted with passion: in her Art deco pieces of furniture and their round and sculpted shapes, in the bestiary to adopt on our desk and living room, in the luminaries whose eras merge together, elegant lampshade and uncanny ones, and jewels that must be observed carefully. From the smallest piece to her most imposing gem, Aline eagerly tells in detail the stories of her treasures, not from the past but which have become timeless as quality is a word implying unity at Maaad Boutique.

Much more than explaining the history of these finely crafted articles like a Wikipedia page, what Aline likes above all is the work behind each piece, from a small series or handmade, and the special touch present on each of them, like a signature. Multiple signatures, from shy artists or from big companies are to be observed.

Prism and crystals being the main inspirations for this shoot, Flo Fortune found at Maaad Boutique artifacts reflecting light, glass geometry to wear, and also disco ball earrings: various shapes and textures, such as Aline’s grandiose selection.

Nailed by Ines @nailedbyines

Le rôle d’Inès Ould Kaci, nail artist parisienne, est déterminant pour toute personne attentive et soucieuse du détail. Elle apporte à la fois la touche finale, de l’art littéralement jusqu’au bout de la main et que l’on ressent lorsqu’on sert le poing, et crée une nouvelle dimension au shooting : comment choisir entre les textures en gelX ou la technique du pressOn ou encore l’arc-en-ciel de couleurs brillantes et laquées qu’Inès applique ? Comment coordonner durant une série de prises de vue l’aspect des ongles avec les tenues, la direction artistique, le story telling ? Les ongles représentent-ils le point de départ de la série de photographies, des détails esthétiques ou alors une conclusion cosmétique de quelques centimètres, ornés délicatement ? Notre kératine est finalement une toile minuscule sur laquelle Inès explore son art magistral, fait de patience, d’harmonie et bien-sûr, de créativité. Un travail fait de projets inspirants qui s’enchaînent, tant chaque nouvelle pose d’ongles est une nouvelle histoire à raconter, un nouveau plongeon dans son imagination, un nouveau bond en 3D dans le travail d’Inès Ould Kaci qui marque défintivement les esprits. Que nos mains soient grandes ouvertes, timidement serrées ou encadrant notre visage pour nous protéger grâce à sa technique méticuleuse, nul ne peut passer à côté de l’orfèvrerie de la nail artist.
Flo Fortune, véritable diamant brut reflétant la lumière, a pu se dévoiler grâce au travail d’Inès Ould Kaci qui a su poser des ongles comme des extraits extraordinaires de fragments de roches précieuses, provenant d’une autre planète. 


The role of the Parisian nail artist, Inès Ould Kaci, is decisive for any careful and details oriented person. She brings both the final touches and creates art literally to the tip of the hand, the one you feel when you clench your fist. From her work, decisions must be taken: how to choose between gel x textures or the press-on technique, or the lacquered and shiny rainbow that Inès can apply? How coordinate in a series of photographs the look of the nails with the outfits, the artistic direction, and the storytelling? Do the nails represent the starting point of the editorial, aesthetic details, or a short cosmetic conclusion of a few delicately adorned centimeters? Our keratin is ultimately a tiny canvas on which Inès explores her masterful art, made of patience, harmony, and of course, creativity. A career constituted with inspiring projects following up one after the other, so much that each new nail design is a new story to tell, a new dive into her imagination, a new 3D leap in the work of Inès Ould Kaci which definitely makes a multicolored impression. Whether our hands are wide open, shyly clasped, or framing our face to protect us while adorned with her meticulous technique, no one can miss the goldsmithery of the nail artist.

Flo Fortune, a true raw uncut diamond reflecting the light, was able to reveal themselves thanks to the work of Inès Ould Kaci who knew how to apply nails like extraordinary fragments of precious rocks, coming from another planet.

Noémie de Vime 

Tomber du travail de Noémie de Vime, c’est tomber de la mode : c’est percevoir des matières qui semblent sorties d’oeuvres oniriques, rencontrer de nouvelles perspectives d’étoffes, et adorer une nouvelle amplitude accorder au vêtement. Comme toutes oeuvres, il y a un fond que Noémie entretient longuement avec beaucoup de finesse : celui de l’éco-responsabilité. Noémie ne travaille qu’en circuit court, se fournissant uniquement sur Paris. Son travail est une contemplation et une réflexion, reflettant la complexité et la beauté de la flore et de la faune, de phénomènes naturels situés dans un contexte bien précis : notre monde et notre situation climatique. En tant qu’artiste s’exprimant à travers de la hauteur, largeur et surtout profondeurs de fibres naturelles devenues parties prenantes de nouvelles réalisations, elle souhaite également valoriser du matériel créé par l’homme, à la fin néfaste mais que Noémie rattrape en lui laissant une place dans nos armoires et placards pour plusieurs générations: le plastique recyclé s’affiche et se porte en corset, véritable joyau marquant le temps, ou alors en manteau grandiose d’opulence et de fausse fourure. Chaque ouvrage est le fruit d’un travail dans le temps, par le temps et pour le temps, tant ce qui importe pour Noémie n’est pas de surproduire, mais une conception raisonnée, en petite série et quantité limitée. 

La robe “Irridescent” n’a pas quitté Flo Fortune lors de tout le shooting. La création de Noémie et Flo n’ont fait qu’un durant tout l’éditorial, Flo Fortune permettant à la robe de vivre de nouvelles aventures, tout en étant protégé.e, valorisé.e, accompagné.e par une création faite de sensibilité et de maîtrise.


To fall in love with the work of Noémie de Vime is to fall in love with fashion: it means feeling materials coming out from dreamlike worlds, encountering new perspectives about fabrics, and adoring new amplitudes given by garments. Like all creations, there is a sturdy backdrop that Noémie sustains and fortifies: eco-responsibility. Noémie only chooses locally distributed fabrics from Paris. Her work is both a contemplation and reflection, echoing the complex beauty of flora and fauna and natural phenomena, all situated in a very specific context: our world and our climatic situation. As an artist expressing herself through height, width, and above all the depths of natural fibers that have become part of new creations, she also wishes to promote material created by man. Its harmful end is rectified by Noémie has she puts upcycled pieces it in our wardrobes and cupboards for several generations: recycled plastic is indeed displayed and worn as a corset, a true jewel enhancing our waistline through time, or plastic faux fur is the DNA of a grandiose coat of opulence. Each design is the result of work over time, by time and for time, so much for Noémie is not overproducing yet believes in a sensible way of manufacturing, in small series and limited quantities.

Flo Fortune wore Noémie’s “Irridescent dress” like a second skin during the entire shoot. The creation of Noémie and Flo indeed became one throughout the editorial, Flo Fortune allowing the dress to live new adventures. They were protected, valued, and accompanied by a creation made of sensitivity and mastery.

Pauline Sarnowski @paulinemakeupro 

Pauline Sarnowski, makeup artist tout juste diplômée de l’école M.E.T de Toulouse, exerce déjà sa technique artistique avec beaucoup d’implication et d’application, dans les coulisses d’un shooting comme en tête à tête avec des mariés.ées quelques instants avant leur grand moment. Travaillant toujours avec la lumière, principale alliée nécessaire des personnes qu’elle va révéler, Pauline souligne minutieusement des regards, crée des dégradés color block nuancés, teinte des bouches, et façonne le teint, illuminé et harmonieux. Avec la M.E.T, elle a su travailler à travers deux perspectives, devenues axes majeurs de la qualité de ses prestations : l’art et la réalité. Valorisant le travail de leurs étudiants.tes, la M.E.T school souhaite que chaque portrait photographié devienne un tableau, où l’éclairage creusera les contours du visage et sublimera les traits, pigments, touches qui donnent le ton sur le talent approfondi et développé de leurs élèves. On ne peut alors qu’observer scrupuleusement chaque détail, pris en gros plan ou appartenant à une fresque magnifique, et admirer ce rendu, où un long travail autour de la peau, des cils et des lèvres a été préparé.
Le travail de Pauline avait ébahi Flo Fortune, qui iel-même avait eu un coup de coeur face à l’un des travaux de l’ancienne élève ayant beaucoup à nous enseigner : un liner graphique posé à ras des cils, avec un mascara de la même couleur, et des petites tâches de rousseurs venant constellé le visage. Ce shooting est inspiré par les univers cinématographiques préférés de Flo Fortune que Pauline Sarnowski a su matérialiser et métamorphoser, de l’eye-liner, au fard à paupière, en passant par la pose de strass. 


Pauline Sarnowski, a makeup artist who just graduated from the M.E.T school in Toulouse (Southern France), already proves her artistic technique by showing her dedication and utmost diligence, behind the scenes of a photoshoot or with newlyweds a few moments before their big moment. Always working with light, her main necessary apparatus for the people she reveals, Pauline meticulously highlights eyes, creates nuanced color block gradations, tints mouths, and shapes and illuminates harmonious complexions. With the M.E.T school, she has been able to work regarding two perspectives, which have become major pillars supporting the quality of her work: arts and reality. Valuing the work of their students, the M.E.T school wants each photographed portrait from which their students work, to become a painting. The lighting must dig into the contours of the face and sublimate features. Pigments and touches do set the tone for their students’ in-depth and refined talent. We can then only scrupulously observe each detail, caught in close-ups or part of a magnificent fresco, and admire this rendering when a long preparation concerning skins, eyelashes, and lips has been made.

Pauline’s work had amazed Flo Fortune, who themselves had fallen in love with one of the works of the former student who now has a lot to teach us: a graphic liner applied extremely close to eyelashes whose color matches the chosen mascara and the small freckles dotting the face. This shoot is inspired by Flo Fortune’s favorite cinematic worlds that Pauline Sarnowski knew how to materialize and transform, from eyeliner to eye shadow, through the application of rhinestones.

La Petite Vic @lapetitevictoulouse

“La Petite Vic” pourrait être un surnom que l’on prête à l’une de nos copines. Et, à travers son salon de coiffures toulousain, c’est avec la douceur d’une amie que Victoria s’occupe de nos cheveux. Spécialiste de la coloration végétale, elle souhaite prendre soin de nous, de chacune de nos variations et gradations naturelles, de notre complexion générale ainsi que de nos multiples particularités, lisses, bouclées, frisées, crêpues. Très loin des univers pollués couvrant l’air de nuages chimiques, l’atmosphère dans laquelle Vic travaille est avant tout saine. C’est pour cela qu’elle n’écrase pas notre chevelure sous des tonnes de produits, mais qu’elle prend le temps d’étudier chaque profil et de lui apporter des solutions naturelles adaptées précisemment, en pansements ou bien durant des entretiens suivis. Elle s’occupe de particuliers venus s’accorder un moment pour elleux dans son salon, et également de futures mariées. Vic nourrit, structure et transforme le cheveu, et veille toujours que ce renouvellement soit au diapason du souhait de ses clients.tes, tout en respectant l’individualité de chacun.e. 

Lorsqu’elle travaille sur des shootings, Vic participe à l’emergence de personnages et d’histoires, tant sa nécessaire minutie nous permet d’en apprendre énormément sur les personnes qu’elle coiffe et d’imaginer le caractère de ces êtres aux raies parfaitement dessinées ou à la texture floue. 

Pour le shooting avec Flo Fortune, Vic a su, à partir de photographies, identifier la nature capillaire de Flo. Elle a donc réussi à lui apporter apaisement, tenue et a fait en sorte que sa coiffure soit parfaitement adaptée au thème du shooting, sans faire un seul pli.


“La Petite Vic” could be the nickname given to one of your mates. Indeed, in her Toulouse hair salon, it is with the gentleness of a friend that Victoria takes care of your hair. As a specialist in natural hair dye, she is willing to look after you, of each of your natural variations and gradations, of your general complexion as well as of your multiple particularities: smooth, curly, and frizzy. Very far from the toxic sprays covering the air with chemical clouds in other mainstream salons, the atmosphere in which Vic works is above all healthy. This is why she does not crush our hair under tons of products but takes the time to study each profile and provide it with precisely adapted natural solutions, like an urgent cure or for long time care. She addresses individuals who come to have a break in her place, and future brides as well. Vic nourishes, structures, and transforms hair, and always ensures that this renewal is in tune with the wishes of her clients while respecting the individuality of each one.

When she works on photoshoots, Vic participates in the emergence of characters and stories, her necessary meticulousness allows us to learn a lot about the people she combs and to imagine their essences and personalities, with sharp parts. perfectly visible or blurred textures.

For the photoshoot with Flo Fortune, Vic was able, from photographs, to identify Flo’s capillary nature. She therefore managed to bring peace to them, hold and ensure that their hairstyle is perfectly adapted to the theme of the series, without making a single crease.

La Résidence des Arts @residencedesartstoulouse 

La Résidence des Arts est une école de danse nichée dans une grande allée boisée de Toulouse. Le cadre calme du lieu et la lumière qui s’inflitre et réchauffe chaque pièce nous amènent directement à la concentration et au dévouement pour notre pratique, tant on se coupe de tout, une fois les portes de l’école passées. Le respect pour ses élèves et chaque enseignant et perfomer est présent dans l’aménagement moderne de l’espace : un lieu ordonné, et rangé où finalement le seul aspect dont on doit se préoccuper est notre expression artistique, au sol, sur les barres, face aux fenêtres ou aux glaces. Un endroit aménagé, où la musique raisonne à travers des murs où des photographies en basses lumières des galas précédents encadrent les salles et rappellent la fierté des directrices pour leurs écoles, la lumière de ces clichés mettant en valeur le coeur de La Résidence des Arts : ses élèves. 

Choisir une salle de danse pour ce shooting avec Flo Fortune n’est évidemment pas le fruit du hasard, tant nous voulions un lieu imprégné d’art et dédié à l’art, un lieu qui, intrinsèquement, apporterait beaucoup à l’histoire : un endroit immense et isolé, rien que pour Flo Fortune, dans lequel iel va performer, se transformer, se renforcer, vivre des émotions fortes, sans un mot, juste avec ses gestes et qui iel est. 


La Résidence des Arts is a dance school nestled in a large wooded alley in Toulouse. The calm setting of the place and the light infiltrating and warming each room bring concentration and dedication to students’ practice, so much that one can disconnect themselves from everything else once the doors of the school are closed. Respect for their students, professors, and performers is shown in the modern structure of the area: an orderly and tidy space where ultimately the only aspect one can worry about is their artistic expression, on the floor, on the bars, facing windows, or mirrors. A well-equipped place, where music resonates through walls where low-light photographs of previous galas are framed on. They are remains of the directors’ pride for their schools, the photographs’ lights highlighting the core of La Résidence des Arts: their students.

Choosing a dance school for this photoshoot with Flo Fortune is obviously not a coincidence, as we wanted a place dedicated to arts that would inherently, bring meaning to the story: a huge and isolated location, just for Flo Fortune, in which they perform, transform, grow stronger, experience strong emotions, without a word, just with their gestures and by being who they are.

A celestial bloom

The story of the fashion editorial

“Tonight, let’s meet under a collection of stars”, says Hannah.

In an enchanted oasis, only the shimmering details reflect the natural light. Against a backdrop of this starry setting, we see lacey landscapes crafted in navy, climbing patterns, flowing waves, and the hedges of a fine neckline. Your eye meets shy buds, spread on mounts and heights, limbs like gracefully blooming corollas, and petals soaring over a blond waterfall.

Feel the richness: observe and touch, as nightly motifs adorn natures heart.

A heart pounding under roses, vines, and petals. Woven together in this lively world and plunged into a Rembrandt lighting, we see them opening, blooming, flourishing. 

Wait and witness: Warm colors under the lights of the stars and dewdrops surfacing, matching the stellar cores. Let us be guided by blushed tones and shadows that lead you to piercing eyes looking right at you,

A décor through which the Earthly communicates with the Celestial, through which a show is about to start. (Title Ideas). This is the landscape lulled by the wind tonight.

And then, there is Hannah.

She is a celestial body who nurtures herself under the stars. As a divine keeper, she is on the lookout for any astral vibration or movement. She welcomes you into her hallowed hide-away, her home. When we only hear the wind whistling and the feel of the cold light of the cosmos above us, that’s when Hannah dances. Nature is whispering to her a melody that only she can hear. 

Dancing is for her a routine, part of nature’s cycle, part of an instinctive logic that has existed since the sky was covered by stars, and that the wind has graced nature with its presence.

Such as shooting stars that streak above and the roots that weave below, she is in the moment. Her choreography matches the wildflower’s sway, the majestic stalks rising within the blue space, and the whorls that spread shadows in the iridescent night. In sync with her organic tableau, each of her steps blends with the prominent sprouts springing up, and small blooms and bee balms burgeoning in bountiful shades and sizes.

Going with the untamed flow, she follows nature’s tempo. We experience a true state of florescence, the one of a celestial figure who, such as her peers from the plant kingdom, firstly appears shily, timidly. As a closed bud, she initially stays close to the soil. When the Earth spins, the Moon rotates, and the Stars stir, she rises up and blooms, slowly but surely.

Hannah, like her flowery fellows, allows the leading ethereal lights to guide her, while she whirls and glides. The ballet performance gently unfolds as she exposes herself both vulnerably and confidently, raising her head and unlocking her celestial body. She spins and twirls as a leaf borne by the wind. More than being inspired by Terpsichore and Uraniah, this performance taking place in front of us harmonizes with the stars’ journey. Like a plant salutes the zenith sun, she springs from her flowery and leafy ground up to the air, radiantly. Finally, after tracking the night light, she quietly bends and leans on Earth.

How we told the editorial’s story

This 16 shot series is built on a cycle: the natural pattern of plants and flowers, at night. The sequence starts with a seven-shot growing movement: we see Hannah’s body language stating a sense of exposure through her open arms and legs slightly distanced. The way she expresses herself with her body by mirroring and experiencing an elemental state of openness reaches its peak in the eighth shot. Hannah appears under a glowing light, upraised and embedded on the ground, like a fearless flower bending towards the strongest light and flourishing under its rays. As this shot symbolises the middle of the series, a decreasing movement starts from the ninth shot until the end of the series. She then communicates an impression of wilting through her body, as she crosses her arms and legs and finally reaches the ground, articulating the end of the cycle as she is nestled.

This photoshoot is an invitation to contemplate a natural ballet, to ponder over what happens at night in nature, and to dream. As Hannah is in sync with the natural elliptical course, her appearance evolves. Under the different lights of the stars, we see her living step by step and through her pace, she wears a new ensemble one stride at a time. 

A true metamorphosis happens as her outfits are transforming right in front of us: firstly, her chest is attired with exquisite lace, with harmonized textures glinting in the high-waisted shorts. Pieces of leading lights have been distinctively embroidered on her shorts.

By its nature, the trousers that she then wears are also girting her waist and covering her legs like the deep night she dances in. During her ballet performance, she covers herself with a shawl that has been cast on her and circles her shoulders. It is a cloak whereupon tailored stars shine. The thin mantle turns into a long skirt, draping her legs and filled in with long-sleeved lacey applique. She does not only play and dance with her skirt but lives within, for the long flowing material is reflective of nature’s petals and is part of her demeanour. 

Dark as the night and flickering as the stars above her, the dress she wears afterward seems to have been cut out directly from the skies. It protects her shoulders and sculpts a long starry stream that reaches her ankles.

Like a recurrent verse, she then plays again with a shawl, echoing her thin fluid layer covered by the above. When she removes it, we see that on her dark blue corset, shooting stars have been sewn. The corset, like a dark blanket, is paired with elongated trousers, similar to slender stems. Her last nightly garment is a homage to nature’s delicacy as the stitches on both her trousers and top are thin links connecting different elements, reminding us of nature’s fragile system. 

As a conclusion to her dance, Hannah wears a sleeveless crop top, appearing like a naked flower whose bud remains flawless and ready to blossom again. Hannah, during this night, has offered us a ballet performance and a treasury of fine arrays. Hannah during this night has given us an insight into what happens when flowers bloom, at night. 

The brand

This collaged series is centred on Meg J Gardner’s work. More precisely, all the pieces that Hannah wears both on the cutouts and the backgrounds are from the Tempus 360 A/W Collection from Meg J Gardner.

This collection is inspired by the night and its astral complexity. A complexity that is gracefully visibly reproduced into Meg’s garments both in the choice of her fabrics and textures and in the variety of elegant and delicate cuts and lines. Nature, as a whole, is at the core of Meg’s work. Her designs and patterns are artful conceptions inspired by luxuriant landscapes and vivid natural stories. 

The colours

She manages to make different embroidered pieces shine on dark blue fabrics and hand-sewn beads on a dark corset. This union between black as night textiles and trimmings that are not drowned in this darkness, but shine radiantly while honouring the pattern’s colour perfectly represents nature’s balance of the nightly sky. With this collection, Meg pays a tribute to the ethereal and natural domains that surround us every day. Through her collection, Meg offers us a true and sincere contemplation.

The fabrics

As she crafts her designs with velvet, net, and worsted fabric, the link with the floral is reinforced for her main material to remind us of the soft and aerial sensations we can experience within the wilderness. In the outfits she created, she also hand-sewed lace to craft organic and unique garments that you would not get anywhere else. 

The shapes

Attuned with the infinite variety of shapes, forms, and figures of the outside world, her collection shows us a diversification of silhouettes: the draped gowns, loose trousers, and cloaks from the Tempus 360 A/W Collection symbolize freedom, an amplitude, a sort of fantasy, the one you experience only when you let your imagination run wild or the one found in nature’s truth. The fitted tops, corsets, and embroidered pieces evoke notions of proximity, an unveiling feeling, a revelation. The different references invoke together a sense of passion, only inspired by fashion, the flora, and the stars.

The silhouettes

The intention behind each of the different cuts of Meg J Gardner is always to enhance women’s silhouettes. By hugging them with a tight corset that perfectly shapes the breast, or with trousers moulding the waist and simultaneously offering to the legs, with their flared style, enough air, and space to live and run. Behind each of the creations from the Tempus 360 collection, there is a willingness to beautify the body while matching a mighty boldness and powerful mind. Meg J Gardner’s craft lies in the attention to detail.

The stitches

Such as nature never ceases to amaze us in its infinite minuscule features, the stitching a technique in Meg j Gardner’s garments does not only catch the patient eye seeking for minutia traits but reminds us of both the subtlety and sturdiness that exist within each of nature’s pieces. A complex network, comprised of meticulous stitches interlaced and woven through bodices and sleeves fastened with delicate clasps in Meg J Gardner’s apparel. 

Along with the telling of her connection with nature, with the Tempus 360 collection, Meg J Gardner has handcrafted garments with complex, elegant designs and fine points mirroring nature’s gracefulness. A true artist, she has painted the heavenly vault, and as a true giver, she has picked the most impressive and beautiful wildflowers that she has gathered in a bouquet that is her collection.

Explanation of the collages 

A remote photoshoot

This collage series is at the crossroads between modern-day technology and handicraft art design. It has been conceived between West Yorkshire and Toulouse (Southern France). All the abstract compositions present in A celestial bloom originate from a remote photo shoot.
Firstly, Hannah executed the ballet positions with the two gradual developments symbolizing openness and closedness. As for every photo shoot, we spent a lot of time conceiving and managing the type of lightning that should be the most suitable for the photoshoot’s general atmosphere. We opted for a chiaroscuro light for the whole series with an exception for the eighth shot that symbolizes the climactic moment of the shoot and for which a glistening light was more appropriate. 

The different poses that Hannah performed were then printed and used as cutouts. 

As the aim of the photoshoot is to celebrate Meg J. Gardner’s design, we took closeups of Hannah that we used as backgrounds to create an artistic series whose first and only resource is Meg J. Gardner’s invention.
We placed a piece of fabric from Meg’s collection in front of the camera lens to color the backgrounds with a blue hue and let a pattern appears on the backgrounds. The backgrounds result in blue-tinted, blurred, and textured photographs. 

The collages

The backgrounds were printed on tracing paper under which a piece of fabric has been placed, like a canvas symbolizing the night. We then placed the cutouts on the backgrounds and proceeded to a second photoshoot. With this second photographic capture, we lighted both the backgrounds and the cutouts with a light reflection to symbolize the moon and stars’ lightning. Finally, all the collages were edited. 

The different participants of the photoshoot

Meg J. Gardner –

This collage series couldn’t have happened without a brilliant team composed of five creatives: Meg J. Gardner, Hannah Doyle, Georgia Hodds, and Ringaile Narkeviciute.
Meg J. Gardner is an independent fashion and textile designer based in West Yorkshire. She has chosen womenswear, eveningwear, and bridalwear as her specialized fields and focuses on textiles to fully express her creativity.
She obtained a first-class degree, worked for different bespoke bridal companies.

After years in the industry, her passion for slow fashion has been increasing project after project. She wants to share her love for this way of thinking with her customers by perpetuating artisans’ practices and processes while elaborating garments and by proposing to her clients investment pieces.
Meg puts into words and actions her enthusiasm for slow fashion as she publicly displays some of the specific techniques that this movement harbors on her Instagram account and her website.
Meg J. Gardner’s fashion handcraft needs to be seen, touched, worn, and mostly observed lengthily as her method and artistry are full of unique touches proper to the designer’s insight, savoir-faire, and devotion to her work. 

She had her work showcased in London and launched her bridal label. 

Hannah Doyle – @hannahdoyle_x

Hannah Doyle, the model posing and executing a ballet performance throughout this series is a professional fashion model. Before breaking into the industry in front of the camera, she was behind the scenes as a makeup artist. She has been scouted by an agency that spotted her as they loved the way she walked. She then has been proposed to become a model. Five years later she still loves this industry and is looking more than ever to be part of imaginative stories.
Her experience as a makeup artist enabled her to become more creative. She then relates to the role of a makeup artist and knows how to perfectly pose to enhance the makeup that has been done and catch the light, beautifully. Both of her occupations have strengthened the importance of working with a team, to her.
She has practiced ballet for years and can connect makeup art, ballet, fashion, and modeling as these fields require a lot of creativity, skills, and dexterity.
She has done a lot of research to be prepared for the remote shoot and as someone versatile, professional, and confident for she was surrounded by creatives, she managed to become both the literal setting of the photoshoot and its different characters.

Georgia Hodds – @hoddsygmua

Georgia Hodds is a freelance makeup artist and hairstylist. She studied at the University and College of Birmingham and specialized in hair & media makeup for three years. At first, she hadn’t planned to become a makeup artist but she decided to set out for an artistic journey during college as she knew she was already a genuine creative.

Makeup is her art. An art that helps her to relieve anxiety from a high pressuring industry. As she is the first person to open the ball during a photoshoot by doing makeup, she has to embrace a leading role. She wants to make the photographer’s job easier to not edit excessively the skin and hair of the model. As she feels that she is in control, the pressure stems from.
She prepared a lot for this remote photoshoot as it required a lot of attention to makeup details for them to be extremely visible on the final images. 

Her love for transformative makeup, the one that takes your breath away, is noticeable in this shoot as she participated in the elaboration of Hannah’s character: a celestial body. She wanted the makeup to be stripped back, that Hannah looked healthy and dewy. She created literal metaphors as the pearls she put around Hannah’s eye are similar to dewdrops.

She both loves to perfect the skin and to enhance everyone’s natural beauty, the one that is already there and that she sees. More than focusing on beauty, she wants people to feel good.

Ringaile Narkeviciute –

Ringaile is a portrait and fashion photographer based in West Yorkshire, UK. She is from Lithuania but has been living in England since 2011. A self-taught photographer, she has learned her craft through Youtube tutorials and by practicing for countless hours. She loves photography as it enables her to show her perspective, how she sees the world, and capture people’s individuality. She finds a lot of inspiration in nature, fashion, design, light, and new connections.

As the chief lighting technician for the photoshoot, she had to set up the different light sources accordingly to the photoshoot’s plan while keeping in mind the expected results. As the light is captured differently from one camera to another, she faultlessly displayed them and adapted them to the remote photoshoot’s situation. 

As the photographer’s assistant, she framed each of the different shots perfectly. 

During that shoot, she showed the depth of her knowledge concerning light, as she mastered it and adjusted it not only to the remote photo shoot’s conditions but to the expected results. When she framed Hannah’s silhouette and face, she showed that she has a sharp eye for details.
She prepared a lot for this shoot, as she asked for the photographer to explain the different shots she wanted to do in detail and she also studied the lighting variations she had planned to make sure she get it right on the day.

She enjoyed this unique artistic experience through which she demonstrated her artist and technician skills.


“Movements” est un shooting en deux parties s’étant déroulé entre Paris et Toulouse. C’est un shooting effectué à distance, dont les photos ont été imprimées puis réunies dans différents collages.
C’est un travail collectif, avec une équipe composée de personnes aussi douées dans leurs domaines qu’inventives : Michelle Tshibola, artiste, couturière, créatrice de la marque Michelle TSM², Agnès Tassel, modèle, Hugo Bardin, hair artist et Océane Susini, makeup artist.


“Movements” is a two parts photoshoot that took place between Paris and Toulouse. It is a safely-distanced photoshoot whose photos resulting from it were printed and assembled in different collages. 
It is a collective work, with a team composed of skillful persons: Michelle Tshibola, artist, seamstress, and owner of the brand Michelle TSM², Agnès Tassel, model, Hugo Bardin, hair artist, Océane Susini, make up artist.

Cette collaboration artistique est intitulée “Movements”, car capturer des mouvements est l’une des meilleures expériences liée à la photographie. Tout est question de saisir des gestes, des déplacements, des battements. La légèreté d’une robe, la grâce d’un.e modèle, l’émotion d’un visage qui se meut, tous ces gestes et mouvements sont des émotions pures traduites dans un corps. Tous et toutes représentent le privilège qu’est la photographie, puisqu’on peut garder ces moments capturés pour toujours.


This artistic collaboration is named “Movements” as capturing motions is one of the best experiences inherently related to photography. Photography is about catching gestures, waves and, flows. The lightness of a dress, the grace of a model, the emotion of a body that stirs: all these gestures and movements are pure emotions translated into a body. All of them are a blessing, and represent the privilege that is photography, as you can keep them forever. 

Pourtant, que se passe-t-il lorsqu’il nous est impossible d’aller dehors ? Lorsqu’il est impossible de prévoir un shooting photo, travailler avec une équipe sur place, et photographier les mouvements que l’on voit ?
Si le besoin pour les créatifs.ves de créer, performer et partager leur art a atteint un niveau critique durant le confinement global de 2020, de nouvelles solutions ont vu le jour, grâce à la technologie actuelle. Ces solutions permettent de travailler autrement, d’une manière dont on ne pense pas ou peu.
Ces moyens sont utiles et leur accès doit perdurer, en particulier aux personnes qui, comme moi, ont une maladie chronique et ont essentiellement besoin d’outils pour travailler à distance.
Ce shooting en particulier fait partie de ces outils. Cela m’a permis de travailler en toute sécurité, sereinement, sans stress, et de pouvoir également gérer mon énergie comme je le souhaitais.

Sans plus attendre, je vous présente l’équipe avec qui j’ai eu la chance de travailler, sans qui ce shooting ne serait pas une réussite :


However, what happens when you cannot go outside? When you cannot plan a photoshoot and meet irl your team, and photograph movements you see?
If the need for creatives to still produce artworks and perform their artistry has urgently risen to a critical level during the 2020 global quarantine, new solutions have emerged, thanks to modern-day technology. 
These solutions are useful for vulnerable persons who, even if vaccines are more and more accessible, are still at high risk regarding Covid. 
As a vulnerable person with a chronic disease, I mostly rely on videoconferencing and remote working tools.
This safe social distancing photoshoot is part of these tools. It enables me to work safely, without any stress and, to manage my energy the way I want.

Without further ado, I’m very happy to present the talented team I’m really lucky to have worked with, without whom the photoshoot wouldn’t have been a success

La marque et les différents.tes artistes
The brand and the different artists

Michelle Tshibola démontre son génie dans de nombreuses domaines : à travers la danse, le voguing, le mannequinat, la couture, et la création de sa marque et de son atelier, Michelle TSM². Chacune de ces activités est intrinsèquement liée, puisque Michelle aime dévoiler sa personnalité grâce aux mouvements et aux vêtements, tant l’un est le prolongement de l’autre pour elle.
Créer des vêtements est un art pour Michelle, puisque la création lui permet de s’exprimer : d’exprimer sa créativité, ses émotions, et ses sentiments.
Voir une robe de Michelle TSM² tournée est toujours un moment de grâce qui démontre toute la patience, passion et précision de la créatrice et artiste.


Michelle Tshibola is a woman whose genius radiates through a wide range of skills: dancing, voguing, modeling, sewing, owning her own studio and brand, Michelle TSM². Each of these different talents is linked as Michelle loves introducing who she is thanks to rhythmic movements and the garments that fly in the air or twirl gracefully in sync with her body: clothes. 
Designing clothes is a pure art form for Michelle as it enables her to express herself: her creativity, emotions, and current feelings. 
Seeing a Michelle TSM² dress spinning is always a moment of grace showing all the patience, passion, and preciseness of Michelle.

Agnès Tassel est une modèle qui peut interpréter tout type de personnage. A travers ses gestes délicats ou ses expressions magnétiques, chacune de ses poses apporte une nouvelle dimension au projet. Plus que d’avoir l’air “badass” ou “ingénue”, elle partage toujours sa perspective artistique à travers ses poses et son allure.
Poser pour un shooting effectué à distance peut être difficile, mais comme chaque projet auquel Agnès participe, le résultat donne lieu à une réalisation unique grâce à sa finesse artistique.


Agnès Tassel is a model who can interpret every spirit and character. From her perfect delicate hand gestures to her magnetic facial expressions, each of her poses always brings a new dimension to the project. More than looking “fierce” or “ingenue,” she always shares her artistic perspective about the session’s storyline through her postures and poises.
Posing for a remote photo shoot can be difficult, but like every project that Agnès takes part in, the result is a beautiful artistic collaboration thanks to her artistry.  

Hugo Bardin est un artiste versatile. Que ce soit devant ou derrière la caméra, il brille en tant que réalisateur, scénariste, acteur, coiffeur, maquilleur et costumier. Il effectue également des performances sur scène comme artiste drag queen, en incarnant le personnage de “Paloma”. Si Hugo a plus d’une corde a son arc, sa maîtrise de techniques créatives est démontrée dans sa minutie : en donnant vie à des personnages, en trouvant l’angle parfait, en parant de couleurs des lèvres et paupières.
En tant que coiffeur pour ce shooting, il a participé à la création d’un personnage unique pour ce projet.


Hugo Bardin is a versatile artist. He proficiently shines on and off camera as a director, scriptwriter, actor, hairstylist, makeup artist, and costume designer. He also performs on stage as a drag queen artist under the name “Paloma.”
If Hugo has more than one string to his bow, his mastering of creative skills is displayed in his meticulousness: giving life to a character, finding the perfect angle, beautifying eyes or lips.
As a hair artist for this photoshoot, he took care of Agnès’ hair. He then participated in the building of a unique character for this project. 

Océane Susini est une créative accomplie qui a choisi d’exprimer son art à travers le maquillage et la coiffure. Qu’importe le contexte, Océane est motivée par son enthousiasme et sa volonté d’effectuer son travail artistique. Pour y arriver, elle se concentre sur la modernité, la précision, et la singularité. La modernité du maquillage, la précision de son pinceau, la singularité de chaque personne.
Le défi pour ce shooting était d’appliquer un maquillage qui devait être visible via téléphone et impressions, tout en n’étant pas surchargé, ou surcoloré. Océane a réussi, puisque la lumière a reflété élégamment sur le maquillage posé sur Agnès.


Océane Susini is an accomplished creative professional who has chosen to express her artistry through makeup and hairdressing. Whatever the context, Océane is motivated by her enthusiasm and eagerness to perform her artistic job. To fulfill it, she always focuses on modernity, precision, and uniqueness: the modernity of the makeup, the precision of her touch, and the uniqueness of the model’s skin. 
The challenge for that remote photoshoot was to apply makeup that had to be seen on a cellphone camera and prints, but that wasn’t too colorful or heavy neither. Océane succeeded as light elegantly reflected on the makeup she farded on Agnès.

Notre processus: comment nous avons raconté l’histoire du shooting
Our process: how we told the story of the photoshoot

Cependant, une question persiste : comment capturer des mouvements -et non simplement des poses, lorsque vous n’êtes pas au même endroit que l’équipe avec laquelle vous travaillez, comment ressentir l’énergie d’un shooting, lorsque vous n’êtes pas présent.e sur place ?
J’ai utilisé l’application “Clos” qui permet de réaliser des shootings à distance. J’ai connu cette application grâce à Agnès, et je la remercie encore de m’en avoir parlé. L’objectif était de créer des compositions abstraites à partir des différentes photographies prises et imprimées. Je voulais reproduire des effets de mouvements : flipbooks, ombres, et superpositions à travers du papier calque.
Le jour du shooting, de nouvelles idées ont émergé. Nous avons utilisé du tissu en guise de filtres et avons décidé d’utiliser différentes chutes de tissus des créations de Michelle dans de nouveaux collages. Le but était d’ajouter une autre dimension au shooting en créant une combinaison de photographies imprimées, de tulle épinglé et tissu froissé. Ce mélange de textiles et de prints produit de nouvelles sensations de mouvements, d’actions et textures. Une autre énergie.
Ce projet artistique est en deux parties : “Soleil rose” et “Nuage Bleu”. Bien-sûr, ces titres sont liés à la lumière naturelle qui nous éclairait le jour du shooting. “Movements” est également une allusion au temps, au changements de temps, et aux mouvements de la journée.


However, a question remains: how can you capture movements -and not only poses, when you’re not at the same place as your model and your team? How can you sense the energy of a photoshoot when the photographer isn’t there?
I used the remote photoshoot application “Clos” to take photographs. I discovered this app thanks to Agnès and I thank her very much for introducing it to me. The objective was to create abstract compositions from the different photographs that were shot and printed. I wanted to reproduce motion effects: flipbooks, shadows, and superpositions through tracing papers. 
On the day of the photoshoot, new ideas emerged. We used fabrics as lens filters and decided to use Michelle’s fabrics in the different collages to add a new layer in the handicraft montages: a combination of cut photographs with sewed tulle on them or a piece of creased cloth on prints. This blending of prints and textiles produces an impression of movement.
This art project is two parts: “Soleil rose” (pink sun) and “Nuage Bleu” (blue cloud). Of course, these are related to the type of natural light that was shinning during the day. “Movements” is also an allusion to the weather, and the changes of times, the movements of a day.  


Avec ce shooting, nous voulions prouver qu’il est possible de trouver d’autres sensations et impressions de mouvements, de vivant et d’action lorsqu’on est confiné.e. Nous voulions prouver qu’à travers des retouches ou impressions ou découpages ou collages (ou tout à la fois) on peut vivre la même énergie créative et grisante tout en travaillant avec un groupe à distance. Trouver un dynamisme et une synergie similaires à celui des shootings réalisés sur place peut être possible.
Ce nouveau projet m’a demandé beaucoup de temps, et je suis heureuse d’avoir pris mon temps et d’avoir peaufiné chacune de ces étape.


With this photoshoot, we wanted to prove that it is possible to find a sense of liveliness and action when you are quarantined. That through a lot of editing, prints, cuttings, sewings, collages, you can experience a similar synergy with a group, even if you work remotely, and that you can find a dynamism similar to on-site photoshoots. 
This new project required a lot of time, and I’m happy to have taken my time for it and to have perfected every step of it.


Michelle TSM² @michelletsm2_
Agnès Tassel @atassel
Hugo Bardin @hugobardinpaloma
Océane Susini @oceanesusini

2020: finding light in the darkness

Ecrire à propos de 2020 est un exercice difficile, tant il est délicat de faire une conclusion sans être “trop” : trop optimiste, trop privilégiée, trop pessimiste, trop triste, trop virulente, trop amère.
En tant que personne ayant une maladie orpheline, et donc à risques, j’ai éprouvé autant de peur, que de fatigue et de frustration durant toute cette année. Mais, sans me dire qu’il y aurait nécessairement une happy ending façon comédie musicale ou que demain serait une nouvelle page blanche où tout serait effacé, les rencontres faites cette année ont été des moments de lumière en pleine obscurité.
J’ai demandé à toutes les personnes avec qui j’ai travaillé en 2020 l’épineuse question de : qu’est-ce qui vous a motivé ou donné de l’espoir durant cette année ?
Rédacteur, effeuilleuse, journaliste, modèle, illustrateur; toutes ces personnes qui m’ont apporté de la joie et de la fierté ont réussi à mettre quelques lignes pour dire adieu à cette année. Et si 2021 ne sera certainement pas une année miraculeuse, la manière dont nous avons appris à nous protéger, prendre soin de nous, reconnaître que c’est la merde tout en conservant notre force, seront des mécanismes nécessaires pour tenir bon, ou du moins essayer – ou alors, être simplement nous.

Writing about 2020 is a difficult task, as it’s hard not to sound excessive and write a conclusion that won’t be “too much”: too optimistic, too privileged, too pessimistic, too sad, too searing, too bitter.
As a person suffering from an orphan disease, and so, part of the “at-risk population”; I’ve felt as afraid, as exhausted, and as frustrated, throughout the year. But- and without necessarily thinking that a happy ending will magically happen just like in musicals or that tomorrow will be a new perfect blank page on which everything will be erased- the persons I’ve met this year showed me the light in the darkest places.
I’ve asked all the people I worked with in 2020 the following tricky question: how did you stay motivated and hopeful in 2020?
Editor-in-chief, burlesque artist, journalist, model, illustrator; all these persons that brought me joy and pride managed to write a few lines to say goodbye to 2020. And if 2021 is certainly not going to be a miraculous year, the way we learned to protect ourselves, take care, acknowledge and face the shittiest situations while preserving our energy and strength is a way that will help us to hang on, or at least, trying to or to simply be.

Malaika Astorga, co-fondatrice d‘Also Cool Mag, artiste, créatrice de contenus
Malaika Astorga, co-founder of Also Cool Mag, artist, content creator

Photographer: © Matthew Sperdakos – @sperdakos
Malaika a publié dans Also Cool Mag un article à propos du shooting Not your Devil
Malaika published in Also Cool Mag an article about the photoshoot Not Your Devil

“I began 2020 in a completely different place than where I am now. I learned how to be intentional with my time and energy, communicate well, and show up in my friendships and relationships in a real way. Through pure love from friends and community, I was able to find myself and get back on my feet.
Also Cool Mag was a huge part of that, from organizing huge events at the beginning of the year to online festivals and fundraisers and coordinating and writing almost 100 articles with collaborators worldwide. In my personal work, I started illustrating and doing social media strategy full time and wasn’t afraid to know my worth. I may not have seen as many friends IRL this year, but I’ve made the most beautiful connections and friendships online, with you being one of them! So thank you, and here’s to a (hopefully) beautiful new cycle.”

“J’ai entamé 2020 avec une attitude toute différente de celle que j’ai actuellement. J’ai appris à dépenser mon temps et mon énergie de manière réfléchie, à bien communiquer, à me montrer présente pour mes et dans mes autres relations. C’est grâce au réel amour de mes amis.ies et de ma communauté que j’ai pu me retrouver et reprendre pied.
Also Cool Mag n’y a pas été indifférent : de l’organisation d’événements importants en début d’année aux festivals en lignes, cagnottes, et en passant par la coordination et rédaction d’une centaine d’articles avec des collaborateurs.trices du monde entier. Dans mon travail personnel, j’ai commencé l’illustration et à proposer mes services en stratégie pour réseaux sociaux à temps plein et je n’ai pas eu peur de découvrir la valeur de mon travail. Je n’ai peut être pas vu beaucoup d’amis dans la vraie vie cette année, mais j’ai fait les plus belles rencontres et connections en ligne, avec toi y compris ! Alors merci, et en espérant qu’un nouveau et beau cycle commence !”

Marion, créatrice de la marque Atelier Amarante
Marion, fashion designer and owner of the brand Atelier Amarante

Marion, créatrice d’Atelier Amarante • Marion, fashion designer and owner of the brand Atelier Amarante
Photographer: © Emmanuelle Sangani – @emmanuellephotographie
Le shooting “The soul unto itself” a été conçu pour la marque Atelier Amarante.
Aphrodite (à gauche) et Léa portent des robes créées par Marion.
•  The photoshoot “The soul unto itself” is a story that was told especially for the brand Atelier Amarante. Aphrodite (left) and Léa wear dresses designed by Marion.

“J’avais beaucoup d’espoir pour 2020, une année remplie de bonheurs que je me serais créés, remplie de créations. En effet, la mort de ma mère fin 2019 m’a totalement bouleversée, mais son souvenir et son âme restés en moi m’ont donné le courage de continuer à me battre et à m’épanouir. J’ai eu envie de vivre à fond ma passion pour la création de vêtements, d’étoffer mon univers et de le partager avec les autres.
Les collaborations photographiques pour mes capsules m’ont clairement sauvé la vie, travailler avec d’autres personnes sur un projet commun m’a maintenu la tête hors de l’eau. Et je remercie tous ceux qui ont croisé ma route dans l’aventure Atelier Amarante car je pense qu’ils ne se doutent pas un instant de tout ce que ça a représenté pour moi, que l’on me fasse confiance, qu’on me soutienne, et qu’on continue à apprécier mon univers qui évolue en même temps que moi.”

“I’ve had lots of hope concerning 2020, a year of happy moments that I’d have created, full of new designs and pieces. My mother’s death at the end of 2019 devastated me, but the memory I’ve got of her and her soul remaining in mine have given me the courage to struggle and blossom. I wanted to truly live my passion for fashion design, and develop my inner world that I’d share with others. Photographic collaborations for my then under-development capsule collections actually saved my life. Working with other people on a joint project helped me to get my head out of the water. And I thank everyone who crossed my path and took part in the great adventure that my brand Atelier Amarante represents. I think that they don’t have any idea of what it meant for me, that someone trusted me, supported me, and kept loving my inner world that’s been growing and changing, just as I’ve been doing.”  

Anthony Azevedo, couturier, créateur de la marque Azevedo
Anthony Azevedo, fashion designer, owner of his brand Azevedo

Anthony, créateur de la marque Azevedo • Anthony, fashion designer and owner of the brand Azevedo
Photographer: © Carlos Alonso, 2019
Anthony a été mon invité durant un épisode du podcast pour le Slow Fashion Movement France • Anthony was my guest during a podcast episode of the Slow Fashion Movement France podcast (episode in French only)

“Après l’année que nous venons de vivre, avec les rebondissements que nous connaissons tous, je préfère retenir la partie positive et prendre en considération la chance que j’ai d’avoir et de recevoir toujours autant de soutien et d’amour, sans condition. 2020 est la première année d’existence officielle de la marque. Malheureusement et indépendamment de ma volonté, nous n’avons pu mener à terme l’intégralité des événements et collaborations prévus. Je remercie tout de même mes clients et partenaires qui sont restés fidèles et ont toujours été présents ! Je devais aussi vous présenter notre deuxième collection ISHBILIA. J’ai donc profité de ces derniers mois pour peaufiner et agrandir cette collection, avec le soutien et l’enthousiasme inaltéré de notre AZTEAM. Nous travaillons sans relâche pour qu’elle voit le jour courant 2021. Aussi, un nouveau projet est en cours de réalisation et nous avons tellement hâte de vous le dévoiler et de partager tout cela avec vous ! Nous sommes remplis d’ambition et d’énergie pour accueillir cette nouvelle année.”

“After the year 2020 we have lived through, full of unforeseen events that we have all known now, I prefer to look at the positive side and take into consideration how blessed I am as I’ve received so much support and love from my community. 2020 marks the first official year of existence of my brand. Unfortunately and against my will, it was not possible to carry out all of our planned events and partnerships. More because of this, I would like to thank my customers and partners who were always close and considerate! Although I wanted to present my second collection ISHBILIA last April as you know, we have taken advantage of this period to perfect and expand our collection with the unbroken support and enthusiasm of our AZTEAM. We will continue to work tirelessly in 2021 to make this happen. Also, a new project is in process and we are looking forward to sharing it with you. We are full of passion and energy to start this fresh new year”

Alima et Coline, d’Au Boulot Cocotte, entreprise dédiée à la création fait main sur Toulouse
Alima and Coline, owners of Au Boulot Cocotte, a company dedicated to handmade creation in Toulouse

Photographer: © Lucie Paimblanc,
Alima (à gauche) a été l’une de mes invitées durant un épisode du podcast du Slow Fashion Movement France •
Alima (left) was one of my guests during a podcast episode of the Slow Fashion Movement France podcast

“Ce qui nous a maintenu à flots pour 2020, c’est le soutien de nos communautés, les personnes qui interagissent avec nous, sur Instagram comme sur Facebook, des personnes qui viennent vers nous en disant “telle personne nous a dit que”. C’est un soutien qui n’est pas négligeable, parce qu’on s’est lancé il n’y a pas si longtemps que ça. Savoir que nous sommes “appréciées”, c’est quelque chose qui nous porte et nous pousse à continuer. Au-delà de ça, savoir qu’il y a des personnes qui nous attendent qu’on puisse proposer des rendez-vous dans la vraie vie, poursuivre notre aventure… C’est aussi le fait que les gens nous soutiennent en nous disant “c’est génial ce que vous faites, vous avez tout pour réussir”. Et ensuite, nos familles et proches nous poussent à aller de l’avant. Pour englober ces deux choses, ce qui nous a motivé, c’est nous. On est deux, on a la chance d’être deux à vivre cette aventure. A deux, on peut facilement échanger, se partager nos coups de mou, se rassurer, se tirer vers le haut. 2020 n’aura pas été une année simple, mais grâce aux autres et grâce à nous aussi, on a réussi à tenir le bon bout et on espère que 2021 nous réserve de belles surprises, tout en gardant notre optimisme.”  

“What kept us afloat in 2020 is the support of our communities. The people that interact with us on Instagram and Facebook, the ones that come towards us and say: “someone told us that…”. It’s a sizable support because we launched our business not that long ago. Knowing that we are “liked” gladdens and empowers us. It leads us to continue to grow. Along with it, knowing that people are expecting us, expecting the future days we’ll plan meetings, workshops in real life, and want the journey to be carried on… It’s the fact that people support us by saying “What you’re doing is so great, you’re going to make it”!. Our families and close ones make us forge ahead. To put it in a nutshell, we’d say we draw our strength from our duo. Teaming up with a partner is a boon to pursue this adventure. We can easily talk, share our concerns, pick each other up, and reassure each other. 2020 wasn’t easy, but thanks to others and us, we’ve been staying on the right track and now we hope that 2021 has many surprises in store for us and we remain optimistic.” 

Florence Boué, effeuilleuse burlesque et modèle
Florence Boué, burlesque artist and model

Florence, en coulisses durant le Festival Burlesque de Toulouse en 2020, au Kalinka • Florence, in the backstage area of the 2020 Burlesque festival which took place at the Cabaret Le Kalinka

“Qu’est ce qui ta motivé et/ou donné de l’espoir en 2020? Trouver un travail qui me permette d’attendre sereinement la reprise de mes activités : modèle vivant en présentiel, effeuilleuse burlesque sur scène au Kalinka ou ailleurs. Retrouver le contact avec le public si essentiel à la vie que j’ai choisi depuis presque 15 ans. Avoir l’espoir de serrer à nouveau mes amis dans mes bras.”

“What motivated me or gave me hope in 2020? Finding a work that allows me to wait peacefully to pick my artistic jobs back up: as an on-site life model, a burlesque artist on stage at the Kalinka or elsewhere. Meet again the audience, which is at the core of the life I’ve chosen to have for almost 15 years. The hope of holding my friends in my arms again.”

Sébastien Caprice, artiste
Sébastien Caprice, artist

Sébastien et moi avons travaillé ensemble sur le projet Autumn Elegance : une collaboration entre photographies et illustrations. Ici, l'”Epaulette” • Sébastien and I worked together on the project Autumn Elegance: an artistic collaboration combining photographs and illustrations. Here, the artwork named “l’Epaulette”

“Bien que 2020 ait été une année quelque peu chaotique vu ce qui se passe dans le monde actuellement du fait de la pandémie et des crises qui en résultent, d’un point de vue personnel j’ai eu des moments inspirants et motivants : une rentrée d’argent inespérée pour l’avancement de mon projet, même s’il n’a pas pu aboutir pour l’année 2020. Mais la base est là, j’ai quand même pu avancer sur mon projet professionnel, enfin administrativement avec l’école de mode, donc il faut juste relancer la machine pour 2021. Mais c’est surtout une rencontre, durant le confinement. Cette personne qui est devenue mon meilleur ami, un frère m’a beaucoup aidé et soutenu dans mon projet professionnel. Sous sa supervision, j’ai grandement pu avancer sur l’identité de la marque que je souhaiterais monter plus tard et c’était inespéré car avant de le rencontrer, j’étais bloqué. Il m’a fait sortir de ma zone de confort et m’a fait libérer mon imagination.”

“Even if 2020 has been quite a chaotic year, regarding what happened due to the pandemic and the resulting crises, on a personal level, I had inspiring and exhilarating moments: A never dreamt cash infusion that turned out to be crucial for the advancement of my project. Even if it didn’t become actualized in 2020, I still managed to bring it forward, at least administratively with a fashion school, so I just have to get the machine going in 2021. My biggest highlight was when I met someone during the lockdown. That person has become my best friend, a brother that helped me and supported me for my career objectives. Under his supervision, I could make progress about the identity of the brand I’d like to create, later. It was a fortunate meeting, as before I was stuck. He helped me to get out of my comfort zone and free my imagination.”

Betty Crispy, effeuilleuse burlesque, directrice de l’ABC l’Académie Burlescô Cabaret, professeure de danse et de cabaret, modèle
Betty Crispy, burlesque artist, headmistress of the ABC the Académie Burlescô Cabaret, dance and cabaret teacher, model

Betty, en coulisses durant le Festival Burlesque de Toulouse en 2020, au Kalinka • Betty, in the backstage area of the 2020 Burlesque festival which took place at the Cabaret Le Kalinka

“En 2020, bien-sûr, le monde du spectacle et le monde culturel ont énormément souffert de cette situation. Ce qui m’a donné de l’espoir et maintenu une activité à la fois rémunératrice et surtout presque quotidienne, qui permet de garder la tête hors de l’eau et de rester positif, c’est que j’ai pu continuer à donner des cours à toutes mes élèves de mon école de danse et de cabaret de Bordeaux, l’ABC l’Académie Burlescô Cabaret
Nous avons pu nous retrouver en juin, avec les masques, juste avant la fin d’année. Nous avons dû modifier notre spectacle de fin d’année qui normalement a lieu dans un grand cabaret à l’Ange Bleu, chaque fin de saison, pour faire un spectacle d’école. Là, il a bien-sûr été annulé, mais nous n’avons pas voulu abandonner ce projet-là. Nous avons modifié notre façon de faire et nous avons, sans public, organisé un tournage de clips pour que toutes nos élèves, nos 13 groupes d’élèves de danse, puissent danser leur chorégraphie apprise durant cette année. Ca a été fait début septembre, sans public à l’Ange Bleu. Ca a été un bonheur de voir ce résultat et une finalité à cette année 2019 2020 qui a été difficile. En septembre nous avons pu nous revoir pour le début de la saison de l’école, nous avions les masques, et bien-sûr, nous avons été reconfinés peu de temps après. Nous avons décidé de maintenir les cours hebdomadaires par Zoom. Nous sommes 3 profs et nous avions toutes nos élèves, environ 140, chaque semaine sur 13h de cours hebdomadaires. Les cours par Zoom étaient organisés aux heures habituelles de cours. C’était un bonheur de retrouver les filles, chez elles, en tenues de danse. Alors, bien-sûr, il faut énormément adapter le travail chorégraphique, mais c’est un bonheur communicatif de se voir, de maintenir cette activité, étant privées de culture, de vie sociale, pas de restaurants et pas de bars… Et bien nous avions ce rendez-vous d’une heure hebdomadaire avec chacun des groupes pour se retrouver, prendre des nouvelles, et puis pour danser ! Faire un peu de training, stretching et apprendre des chorégraphies. Et pour motiver tout le monde dans ces circonstances particulières, nous avons préparé avec les profs de mon école une surprise publiée le 25 décembre sur Youtube et la page Instagram de l’école. Nous avons appris une chorégraphie commune à l’ensemble de nos élèves, sur le thème de Noel, et c’est un travail uniquement en ligne. Ca génère beaucoup de plaisir, de bonheur et sourires et j’espère une petite bouffée d’air pour tout le monde, dans ces circonstances toutes particulières.
2020, pour moi, c’est vraiment mon école qui m’a sauvée. Privée de spectacles, il ne me restait plus que mon école pour danser.” 

“In 2020, of course, the cultural and entertainment industries hugely suffered from that situation. What gave me hope and was also a daily income-generating activity was the ability to still give dance and cabaret classes at my school, the ABC l’Académie Burlescô Cabaret. It helped me keep my head above water and be positive. My students, the teaching staff, and I met in June 2020, with the masks on. It was just before the end of the school year. We had to modify our end of year show that normally takes place in a great cabaret, l’Ange Bleu. Of course, this year our performance there was canceled but we didn’t want to give up on the 2020s edition. We changed our procedure and without an audience, we’d plan a video shooting of the show. This way, our 13 groups of students could show the choreography they’d learned. We did it at the beginning of September. It was a true blast to see these results and a beautiful way to end the year 2019-2020, which had been very difficult. In September, after the first lockdown, we could start the beginning of the school year and see each other, with the masks on, and then the second lockdown happened. We decided that the classes must continue online, every week, and on Zoom. We are three teachers and all our students (about 140) attended the 13 weekly hours of class. The Zoom classes happened during the usual hours. It was a blessing to see the students again, dressed in their dancing outfits. Of course, adapting the classes online implies a lot of work, but it’s a delight to see each other again virtually and maintain this activity to cheer us up together. My students are deprived of any outdoor and cultural life, so this weekly meeting was the occasion to talk to each other, check in with each other, and dance! We worked out, stretched, and learned new choreography. And to perk up everyone in those odd circumstances, the other teachers and I prepared a surprise: a Christmas choreography, taught by all the students and that was online on Youtube and Instagram on the 25th of December. It generates lots of joy, smiles, happiness and I hope that is a breath of fresh air for everyone that watches it. In 2020, what saved me is my school. I couldn’t perform at any shows, so my school was the only place where I could dance.” 

Camille Darracq, artiste
Camille Darracq, artist

Camille a participé à la collaboration “Projet Tulipe” publiée sur Instagram •  Camille is one of the artists that took part in the “Tulip Project” collaboration

“L’année 2020 a été assez particulière pour tout le monde, c’est pourquoi j’ai eu envie d’apporter un peu d’évasion aux gens en créant des illustrations faisant voyager (des bords de piscine au soleil, des vues sur la mer, des architectures du Pays Basque…). Ce qui m’a motivé aussi cette année, c’est qu’en plus de la vente en ligne (Etsy) que je faisais déjà depuis un moment, j’ai eu l’opportunité de vendre mes illustrations dans 2 boutiques physiques (Le Shop à Bordeaux et Retropolis à Toulouse). Cela m’a permis de rencontrer pleins d’autres créateurs mais aussi d’élargir mes thématiques d’illustrations en créant par exemple une série de visuels sur Toulouse (et je suis également en train de préparer une série sur Bordeaux).”

“2020 was very particular for everybody, that’s why I wanted to help people escape by illustrating landscapes and views (edges of swimming pools, seasides, Basque Country architecture)…
What kept me motivated throughout the year, besides the online selling of my illustrations on Etsy, is that some of them are now for purchase at Le Shop (in Bordeaux) and Retropolis (Toulouse). That enabled me to meet many other designers and also to expand my artistic scope, by, for instance, conceiving a series of pictures about Toulouse (I’m actually preparing a series about Bordeaux”.

Cessdy, artiste
Cessdy, artist

Cessdy a participé à la collaboration “Projet Tulipe” publiée sur Instagram •  Cessdy is one of the artists that took part in the “Tulip Project” collaboration

“En 2020 je dirai que la création m’a donné de l’espoir. De nombreux projets ont vu le jour cette année. Le confinement a fait émerger de la créativité dans tous les domaines, c’était super inspirant.
Et oui quand le moral n’était pas présent, le dessin m’a vraiment permis d’extérioriser des émotions, des angoisses… J’ai donc créé des illustrations toute l’année en essayant de les partager sur les réseaux. C’était une façon pour moi d’envoyer de l’amour et de la douceur dans un moment difficile pour tous.”

“In 2020, I would say that the act of creating gave me hope. Numerous projects were carried out throughout that year. Lockdown led to a rising of creativity in many domains, and it was extremely inspiring. And yes, when I felt blue, drawing allowed me to express my feelings and dreads… So, I’ve made many illustrations throughout the year and tried to share them on social media. It’s a way for me to give love and sweetness during a difficult time for all of us.”

Lydia, gérante de la friperie Favoris Boutique Vintage
Lydia, owner of the vintage store Favoris Boutique Vintage

En 2020, le magazine Lyun a publié en couverture de son numéro d’hiver une photographie d’Agnès Tassel lors du shooting pour la sélection automne hiver de Favoris Boutique Vintage.
Lydia a également été mon invitée durant un épisode du podcast pour le Slow Fashion Movement France • In 2020, Lyun Magazine published as a cover a photograph of Agnes Tassel from the Favoris Boutique Vintage fall-winter selection photoshoot. Lydia was also my guest during a podcast episode of the Slow Fashion Movement France podcast (episode in French only)

“De façon assez simple, ce qui m’a motivée en 2020 ce sont plusieurs choses : une puissance de vie et d’optimisme qui font partie de ma personnalité, c’est une chance d’avoir ça en soi. Ce qui m’a motivée, c’est la passion, du job, et plus absolue, dans la vie, d’”embrasser” les choses, les gens. Capter les énergies positives de tous mes proches et pouvoir en donner. Donner de la bienveillance et de l’amour. Plus concrètement, ce qui m’a aidée, ce sont tous les encouragements et le soutien de la communauté Favoris. J’ai bien senti une grosse détermination de celles qui aiment Favoris pour ne pas que Favoris fasse faillite. Ça, ça n’a pas de prix. Plus je sentais que la communauté était à fond pour ne pas que ça s’écroule, plus je voulais donner, être créative, sortir des sentiers battus, essayer de divertir. Au second confinement, j’étais moins abattue qu’au premier, j’ai proposé une sélection de looks par tailles, une playlist qui me tient à cœur…Je crois que c’est une sorte de spirale très constructive qui s’est créée de donnant donnant : une propulsion d’énergie pour en donner en retour. On a tous été un peu des supers héros et super héroïnes en 2020 et j’espère qu’en 2021 on retrouvera tout ce qu’on aime : concerts, musées, cinémas, expos, bars, restos, boîtes de nuit… Parce que ça, c’est ce qui a cruellement manqué, c’est ce qui me motive beaucoup normalement et ça a été difficile. Et heureusement il y a eu d’autres élans qui sont venus vers moi et m’ont aidée à ne pas lâcher l’affaire. L’implication des proches n’a pas de prix, et ce, pas seulement en 2020. Elle est toujours à mes côtés, dans mon quotidien de vie. La puissance de la solidarité de la communauté Favoris a été très significative en 2020.”

“Simply put, several things have kept me motivated: a powerful optimism and strength for life that are parts of my personality. I’m lucky to have them in me. What motivated me is my passion, for my job, and a more absolute one, in life, to “embrace” people and things. Feel the positive vibes of my close ones and be able to give off some, to spread love and compassion. Concretely, what helped me are the cheering words and the support of the Favoris community. I’ve seen a strong determination of the ones who truly love Favoris so that the shop won’t go bankrupt. It’s priceless. The more I felt that my community would go flat-out for my business to not crumble, the more I wanted to give to others, be creative, try to entertain people, and get off the beaten track. During France’s second lockdown, I felt less downcast than during the first and I prepared a selection of outfits for each size, a playlist that I love… I think that’s a sort of upward spiral that proved to be very constructive as it was mutually beneficial. A boost of energy that was given back then. We all have been superheroes in 2020, and I hope that in 2021, we’ll be able to go back to the places we love: concerts, museums, theaters, exhibitions, bars, restaurants, night clubs. Because that’s what I’ve missed for the most, it’s what normally gives me a lot of energy. Hopefully, I’ve had momentums that helped me not to give up. The fact that my dear ones are greatly involved in my life and business is precious, and this, not only in 2020. I feel their involvement every day, every time. The power of the Favoris community’s solidarity has been extremely significant in 2020. ”

Maya Hassa, journaliste pour Also Cool Mag, DJ
Maya Hassa, journalist for Also Cool Mag, DJ

Maya a rédigé dans Also Cool Mag un article à propos du shooting Not your Devil
Maya wrote in Also Cool Mag an article about the photoshoot Not Your Devil

“The past year was testing for many reasons, but one of the most striking lessons it taught me was the importance and strength of relationships. Social distancing made us rethink how to connect with each other for the sake of sanity and physical wellbeing. People went above and beyond to build a sense of community, whether that was in the form of group workouts in the park; free online workshops for mental health, skill-sharing, and community organizing; or the first-ever queer club night on Zoom. I got a lot of happiness from sharing the products of my stress-baking and dropping little packages of cookies or cakes at my friends’ doorsteps. Whatever it was, people showed up for each other in surprising ways. People I haven’t spoken to in years were checking in on me – and it made me realize that some of my friendships were much stronger than I had originally assumed. Living alone, knowing that I could rely on the people around me was what kept me going from day to day. What seemed at the beginning as a recipe for an epidemic of loneliness turned out to be an opportunity to build stronger community ties, design better support systems, and forge hope for more widespread empathy and mutual understanding.” 

“Pour de nombreuses raisons, l’année passée a été éprouvante, mais l’une des leçons les plus marquantes que j’en retiens a été celle de l’importance et de la force des relations. Pour le bien de notre santé, la distanciation sociale nous a obligé à revoir comment être connecté les Les gens se sont surpassés pour faire naître un sentiment de communauté, qu’il s’agisse de séances de sports en groupe dans un parc, des ateliers gratuits pour prendre soin de notre santé mentale, des échanges de compétences, l’organisation de nos communautés, ou la première soirée night club queer sur Zoom. J’ai éprouvé beaucoup de joie en échangeant mes créations culinaires lorsque je compensais mon stress en pâtissant et en déposant des petites paquets de cookies ou gâteaux devant les portes de mes Qu’elle qu’en soit la forme, les gens se sont montrés présents de manière surprenante. Des personnes à qui je n’avais pas parlé depuis des années m’ont contactée pour savoir comment j’allais, et cela m’a fait réalisé que certaines de mes amitiés étaient bien plus fortes que ce que je croyais au départ. Comme je vis seule, le fait de savoir que je pouvais compter sur des gens autour de moi m’a fait avancer jour après jour. Ce qui semblait d’abord être une recette pour une épidémie de solitude s’est transformée en une opportunité pour resserrer nos liens au sein de nos communautés, élaborer de meilleurs systèmes de soutien, et créer de l’espoir en une empathie partagée et une compréhension mutuelle.”

Balkis Hmida, journaliste, fondatrice et éditrice en chef de Within the Den
Balkis Hmida, journalist, founder and editor-in-chief of Within the Den

Within the Den a été l’un des partenaires du Slow Fashion Movement France •
Within the Den has been one of the partners of the Slow Fashion Movement France
Découvrez “Racines“, le second numéro du magazine Within the Den • “Racines“, the second issue of Within the Den magazine

“J’ai eu besoin de beaucoup de recul pour comprendre ce qu’il se passait, donc le temps que je réalise ce qui se produisait durant la première partie de 2020, la deuxième partie s’écoulait, donc je vivais au jour le jour. Ce qui m’a motivée, c’est vraiment Within the Den, c’est un projet qui me tient à cœur et le faire évoluer était très important pour moi, je voulais voir jusqu’où ça pouvait aller, et je n’en suis pas peu fière ! Cette année, je trouve qu’on a pas mal avancé, comme d’habitude, c’est jamais assez bien, mais si je devais poser le bilan, je suis assez fière de cette année 2020 pour Within the Den. On a sorti deux numéros, le deuxième témoigne vraiment de notre évolution, j’en suis extrêmement fière, on voit qu’il y a de grandes différences. 
Mis à part ça, Benoit, mon copain, a été une énorme source de motivation, notre relation m’a permis de devenir la meilleure version de moi-même.  Les moments où je voulais arrêter Within the Den, Benoit a toujours été là pour me dire de continuer, de me dire que ça viendra. Mon père m’a énormément soutenue également. Je voulais le rendre fière. 
Et sinon, ce qui me motive en général ce n’est pas le court terme, mais le long terme, voir loin, et pas seulement sur cinq mois. Le fait de me projeter dans cinq ans avec mes projets me motive et me permet de me dire “pour accomplir cela, je vais y arriver”. Parfois, ce n’est pas de la projection, j’agis comme si ce que j’ai en tête va forcément se produire dans cinq ans, par exemple.”

“I really needed to step back to figure out what was going on. At the time I realized what was happening during the first part of 2020, the second part was going by, so I had to live one day at a time. What motivated me is my magazine, Within the Den. It’s a project that matters a lot to me, having been able to develop it was extremely significant to me. I wanted to know how far I could go, and I’m really proud of the roads I’ve traveled. This year, there’s been some bit of advancement. I’m not fully satisfied, but if I had to take stock of 2020, I would say that I’m really proud of my accomplishments concerning Within the Den. Two issues were released, and the second one is a true milestone about our evolution. There are huge differences between the two issues. 
Apart from my magazine, my boyfriend, Benoit, has always been there for me, he is my driving force and our relationship helps me to become the best version of myself. Benoit encourages me to pursue my efforts, he has been telling me that things will go well when I wasn’t that confident. My dad also supports me a lot. In 2020, I wanted to make him proud. Besides, what really motivates me is long-term visualization, to see far ahead. Not only to envisage things over five months, for instance. Looking into the future, over five years, while focusing on my plans and projects stimulate me a lot, and it enables me to say “to do so, I have to make them happen”. Sometimes, it’s not what I only expect, I go ahead as if what I have in mind will truly happen.”

Ximun Iñarra, graphiste
Ximun Iñarra, graphic designer

Ximun a participé à la collaboration “Projet Tulipe” publiée sur Instagram •  Ximun is one of the artists that took part in the “Tulip Project” collaboration

“2020 restera sans aucun doute dans les livres d’histoire. Le contexte a fait qu’il n’a pas été facile pour tous de garder espoir et de rester motiver. Pour ma part, j’ai été diplômé d’un Master en Direction Artistique Numérique. Les derniers mois de mes études n’ont pourtant pas été faciles… Le travail qui s’accumule, les cours en distanciel, le fichu syndrome de l’imposteur… J’en étais même venu à vouloir changer de métier, du moins pour quelques mois… Pourtant, j’ai fini mon année en étant l’un des coups de cœur du jury ! La validation de mon travail de graphiste et la reconnaissance des causes pour lesquelles je me bats m’ont rappelé les raisons qui font que j’aime mon métier. Aujourd’hui j’embrasse ma créativité et je réapprends à l’exploiter pour moi avant tout.
Je ne suis pas du genre à broyer du noir et à déprimer… bien sur qu’il m’arrive d’avoir le blues mais je suis convaincu qu’avec la pensée positive rien n’est impossible ! Alors « +=+ », « qui veut peut » ou « fais confiance à la mycose », choisissez votre mantra et foncez réaliser vos rêves !”

“Undoubtedly, 2020 goes down in history. The circumstances made some of us difficult to be hopeful and motivated. As for me, I’ve graduated with a Master’s Degree in Digital Art Direction. The very last months during which I’ve finished my studies were difficult. I had a backlog of work, the distance learning classes were not my cup of tea and I suffered from the impostor syndrome… I almost wanted to change my job, or at least, only for a few months, yet I ended my senior year by being singled out for special mention by the board of examiners! My graphic design work being validated and having the causes for which I fight for recognized, these moments reminded me why I do this job. Today, I embrace my creativity and learn again how to use it firstly for myself. I don’t normally feel downhearted and depressed, even though I sometimes feel blue, I’m really convinced that with a positive mind, nothing’s impossible! So “+=+”, “where there’s a will, there’s a way”, “trust the fungus”, choose your mantra and hurry up to make your dreams come true!”

Alizée Laurence, directrice artistique, graphiste, fondatrice de la marque Peculiar Mind
Alizée Laurence, art director, graphic designer, founder of the brand Peculiar Mind

Photographer: © Michael Randrianandroarison
Alizée a été mon invité durant un épisode du podcast pour le Slow Fashion Movement France • Alizée was my guest during a podcast episode of the Slow Fashion Movement France podcast (episode in French only)

“Le fait que nous étions en confinement cette année en 2020 m’a donné suffisamment d’espace et a fait place à l’introspection. J’ai pu reconduire ma ligne directrice artistique au sein de mon business. J’ai pu axer de nouvelles manières de penser et d’actions… C’est ce qui m’a réellement motivée cette année. Je pense que l’un des buts de la vie est de transcender comme un alchimiste toutes situations difficiles en opportunités. Aussi de saisir toutes ces opportunités à leur envol pour en faire une force et rebondir. C’est difficile, mais c’est selon moi dans la flexibilité que la force réside. Dans ce contexte: je ne remercierai jamais assez Marie de m’avoir donné l’opportunité d’être interviewée en ces temps difficiles pour la slow fashion season! Le monde change ! Elle a fait un travail remarquable et très bien ciblée !”

“Being quarantined in 2020 helped me to get more space and time for myself and this led to introspection. I was able to renew my artistic guiding principle concerning my business. I could focus on new ways of thinking and acting. All of these elements really kept me motivated throughout the year. I think that one of the goals in life is to overcome any difficult situations as an alchemist would do. Catching opportunities and using them as a strength to bounce back. It’s really hard to do so, but to me, flexibility remains a sort of power. During that context, I would never thank Mary enough for giving me the opportunity to be interviewed for the Slow Fashion Season in these difficult times! She’s made an incredible job, very well directed!”

Pauline, fondatrice de la marque Les Affranchies
Pauline, founder of the brand Les Affranchies

Photographer: © Madame Léon
Pauline a été mon invité durant un épisode du podcast pour le Slow Fashion Movement France • Pauline was my guest during a podcast episode of the Slow Fashion Movement France podcast (episode in French only)

“Ce qui m’a motivé et aidé à surmonter 2020 ? Les échanges. Cette année, nos échanges ont été réduits, donnant à chaque occasion de rencontrer et de débattre plus d’importance, de profondeur. Comme si l’écoute avait été décuplée par le confinement. J’ai oscillé, alterné des périodes de boulot névrosé avec des jours 0 motivation accompagnée de ma BFF (la culpabilité entrepreneuriale), mais j’ai également pris le temps de découvrir de nouvelles passions, comme l’art de la bouture. Observer le long développement d’une plante, ça fait prendre du recul sur sa propre évolution ! J’ai écouté des podcasts, principalement des voix de femmes qui s’élèvent. J’ai senti la communauté féministe frémir, se renforcer. Vu les lignes bouger. L’Écosse distribue des protections hygiéniques gratuites et les Argentines gagnent leur droit à l’IVG. Leurs cris de joie sont le son même de l’espoir, il faut s’en nourrir, et faire passer !”

“What helped me to stay motivated and to overcome 2020? The interactions. This year, they were reduced, making each occasion to meet and debate more important and in-depth. As if the act of listening had been increased by the quarantine. I swayed, shifted between times when I was neurotic at work without a single day of motivation, and I was accompanied by my BFF: the entrepreneur guilt. Notwithstanding, I also took the time to find new passions, as the art of taking cuttings. Observing the long development of a plant made me taking things into perspective and led me to analyze how far I’d come from. I’ve listened to podcasts, mainly voices of women who rise up. I felt the feminist community shaking, strengthening, saw changes happening. Scotland now provides free period products and Argentina has legalized abortion, which is a true landmark moment for women. Their glee and shouts are the sound of the same hope, we have to be nurtured by it, and spread the word!”

Clémence, fondatrice de la marque Muse Underwear
Clémence, founder of the brand Muse Underwear

Muse Underwear a été l’un des partenaires du Slow Fashion Movement France • Muse Underwear has been one of the partners of the Slow Fashion Movement France

“Déjà je commencerai par dire que je suis de nature positive et motivée avec de l’espoir alors j’imagine que ça aide pas mal de base à passer une année comme 2020 haha ! Mais si je devais nommer quelque chose qui m’a aidé plus que les autres, évidement je dirai que c’est le lancement de mon entreprise, qui a eu lieu en Novembre et que j’ai passé ces presque 2 dernières années à construire. Également, je dirai ma communauté Instagram, qui a cru en moi et en mon projet, et m’a soutenue chaque jour depuis que j’ai créé le compte: en avril dernier ! Je dois dire que j’ai eu la chance énorme de tomber sur des nanas (et pas que) plus incroyables les un(e)s que les autres, et c’est vraiment ça, qui m’a le plus motivé et donné de l’espoir je pense !”

“I’ll start by saying that overall, my mindset is positive and that I’m really filled with hope, so I guess it’s helpful to cope with 2020, ahah! But if I had to name something that has helped me, more than any other, of course, I’d say the launching of my business in November, that I’d been preparing for two years. Also, my community on Instagram that believed in me, my ideas, and my project since day one – that, is, in late April when I created my Instagram page. I must say I was incredibly lucky to meet amazing women (and not only) each as wonderful as the next one, and that’s what gave me a lot of motivation and hope!”

Milcah Pratbernou, couturière et professeure de couture, fondatrice du Petit Atelier
Milcah Pratbernou, seamstress and sewing teacher, founder of Le Petit Atelier

Milcah a été mon invité durant un épisode du podcast pour le Slow Fashion Movement France • Milcah was my guest during a podcast episode of the Slow Fashion Movement France podcast (episode in French only)

“Concernant 2020, c’est vrai que je l’ai vécu comme une “prise de conscience” que tout peut changer à tout moment et que rien n’est sûr. D’autant que je venais de passer 2019 qui a été une année très difficile sur le plan perso (plusieurs décès, et beaucoup d’autres choses déstabilisantes). Au-delà de ces choses négatives 2020 a été l’année de la résilience mais aussi celle où je me suis retrouvée car au-delà de toutes ces tempêtes (y compris celle du covid) j’ai re découvert “mes” fondamentaux à moi”. Ce qui me stabilise, ce qui me tient debout et me donne envie d’être heureuse. C’est un ensemble de petites choses : mes filles en bonne santé qui évoluent et qui développent leur personnalité, mon mari toujours là tel un roc qui n’a pas bougé après la tempête, l’envie de créer qui est revenue, les personnes que j’aime qui m’ encouragent et me soutiennent, de nouvelles amitiés et d’autres qui se sont renforcées par “téléphone”. La joie de mes élèves en revenant aux cours, le plaisir d’échanger à nouveau mon savoir faire. Un nouveau projet professionnel qui me passionne et me permet de développer de nouvelles compétences, d’apprendre et d’y arriver. Alors même si 2020 a été dure et “pesante” je suis contente d’avoir appris plein de choses et cette crise a révélé de belles surprises sur moi (sur ce que je peux surmonter) et sur les autres.”

“2020 was both a sort of dawning and reality check, as I realized that everything can shift at any time, and nothing is certain. I had an incredibly rough time in 2019, on the personal level (several deaths of close ones and many unsettling things). Beyond the negative things that happened, 2020 was the year of resilience and the one during which I found myself back on track. Besides all the turmoil (including Covid-19), this year revolved around the most fundamental elements of my life. The ones that stabilize me, help me to stand up and make me happy. It’s an addition of small things: my daughters that are in good health, who grow up and develop their personalities, my husband who’s still by my side, who’s stayed with me like a rock in a storm, the need to create that I felt again, the people that I love who’ve been supporting me and cheering me up, and new friendships, some of which get strengthened by phone. The joy of my students who came back to attend classes, the delight to share my expertise. A new professional project that I’m really having fun to elaborate on and allows me to develop new skills, to learn more, and makes me want to succeed. So, even if globally the 2020 inherent atmosphere was really oppressive, I’m glad to have been able to learn so many things, and about the fact that that crisis has revealed surprises about me, things I can overcome and that others can too.”

Mika Rambar, artiste queer : Queen, showgirl, DJ, performer, plasticien, organisateur de soirées
Mika Rambar, queer artist: Queen, showgirl, DJ, performer, plastic artist, event organizer

Mika, en coulisses durant le Festival Burlesque de Toulouse en 2020, au Kalinka • Mika, in the backstage area of the 2020 Burlesque festival which took place at the Cabaret Le Kalinka

“Malgré la situation apocalyptique de 2020, j’ai essayé de rester positif et optimiste, même si parfois le moral n’était pas au rendez-vous. La première chose qui m’a permis de garder espoir est mon entourage, le soutien mutuel qu’on s’apporte, la bienveillance, le fait de réfléchir (tant bien que mal) à de nouveaux projets, de rester dans l’action même si le brouillard du covid nous empêche encore de voir le bout du tunnel… Les ateliers d’entrainement organisés par Stéphane Lafage (Cabaret Le Kalinka) ont aussi été des bulles d’oxygène et de stimulation dans mon quotidien. Mais de toute façon la motivation sera toujours là au fond de moi car je suis un artiste, le spectacle et la scène c’est ce qui m’anime et me fait vivre.”

“Despite the 2020’s apocalyptic situation, I tried to stay positive and optimistic, even if I had hard times. My close ones helped me to stay hopeful. What matters the most is the mutual support that we’ve been giving to each other, the kindness, the act of muddle on, the willingness to elaborate on new artistic projects, and being part of an action, besides the fog that Covid-19 put on us, preventing us to see the end of the tunnel. The training workshops planned by Stéphane Lafage (from the Kalinka cabaret) were also a breath of fresh air and livened up me in my daily life. Anyway, I know that I’ll be still motivated, deep down in me, as I’m an artist, the show and the stage exhilarate me and give me life.”

Charlotte Ronfaut, directrice artistique, designer graphique
Charlotte Ronfaut, art director, graphic designer

Charlotte a participé à la collaboration “Projet Tulipe” publiée sur Instagram. Elle a également été mon invitée durant un épisode du podcast du Slow Fashion Movement France • Charlotte is one of the artists that took part in the “Tulip Project” collaboration. She was also one of my guests during a podcast episode of the Slow Fashion Movement France podcast.

“2020 aura été mémorable pour beaucoup de monde, bien-sûr on sait pourquoi, mais pour ma part, j’aimerais me la remémorer comme celle qui aura été l’année où j’ai fait des choix pour revenir à mes essentiels, ceux qui me correspondent et non ceux qu’on me dit de suivre.C’est finalement, m’écouter et me respecter plus.
Et en parlant d’essentiel, 2020, c’est cette année où je me suis posé les bonnes questions et où j’ai voulu être plus honnête avec moi-même en me demandant « qu’est-ce qui me fait vraiment vibrer ? » sur le plan perso et pro.
Mon plus grand challenge, qui m’a motivé à garder le cap, celui de changer de direction professionnelle ; arrêter ma marque d’accessoires de mode pour me consacrer à 100% à mon activité de designer graphique et directrice artistique et ma passion pour la communication visuelle autour de l’image de marque.”

“2020 has been an unforgettable year for many people. Of course, we know why. As for me, I’d like to remember it as the one year during which I went back to what is at the core of my main concerns, the ones for which I really care, and that are not just a trend I’d follow. To sum it up, it implies self-respect and listening.
Thinking about what is at the core, 2020 is the year in the course of which I’ve asked myself the right questions, and wanted to be honest to myself, asking: “What really makes me tick?” on both the professional and personal levels.
My biggest challenge was deciding that my accessories brand would cease to exist. This challenge is actually the one that motivated me to stay on track and change my stance. I wanted to focus only on my work as a graphic designer and art director and on my passion for visual communication and branding.”

Xingyun Shen, diplômée de la London College of Fashion, créatrice de contenus pour ShopBettr
Xingyun Shen, London College of Fashion graduate, content creator for ShopBettr

Photographe : © Ethan Lai, @chiguolai
Xingyun est une membre du Slow Fashion Movement que j’ai rencontrée en 2020 • Xingyun is a member of the Slow Fashion Movement that I met in 2020

“2020 has come to a close. Enabled by passionate communities and individuals organising to close the knowledge gap and encouraging activation, it’s safe to say that the fashion industry saw its potential for change despite being dealt with the shittiest cards. We’ve also learnt that lockdowns have temporarily shut down retail shops, hindered international shipping, but operations recover. Brands recover. Corporations survive strategically. We’ve witnessed first hand how the opacity of supply chains and lack of accountability sacrifice the working capital of the fashion industry—garment workers.
Come 2021, fashion will continue to sell. They will be claiming sustainability, circularity, recycled, organic and natural materials, eco-friendliness and ethically made clothing. But culture and human behaviour can change. The way we imagine new systems will influence businesses to keep up. We can and have been pivoting to support small businesses and mutual aid communities.
It’s tough work not to feel demoralised fighting the greater system. But I remind myself that the work continues and I cannot speak within the echo chamber. Here’s to more care, mutual support, community aid, accountability and equity within the industry.”

“2020 est arrivée à son terme. Grâce à des communautés passionnées et des personnes souhaitant combler des lacunes en matière de savoir tout en encourageant le passage à l’action, je pense qu’on peut dire que l’industrie de la mode a vu son potentiel pour évoluer, malgré le fait qu’elle ait les pires cartes dans son jeu. Nous avons également pu constater que les confinements ont causé la fermeture temporaire des boutiques tout en entravant l’expédition internationale, puis, que les opérations ont repris. Les marques s’en sont remises. Les corporations survivent de manière stratégique. Nous avons pu voir directement que l’opacité des chaînes logistiques et le manque de responsabilité ont sacrifié les fonds de roulement de l’industrie de la mode, à savoir, ces travailleurs et travailleuses. Arrive 2021, et la mode continuera toujours autant de vendre. L’industrie prétendra être durable, circulaire, prônera le recyclage, des matières bios et naturelles, l’éco-responsabilité et des vêtements élaborés de manière éthique. Mais les manières de pensées et d’agir de l’homme peuvent évoluer. La manière dont nous imaginons de nouveaux systèmes peut influencer des entreprises et corporations à emboîter le pas. Nous pouvons, et c’est ce que nous sommes en train de faire, nous tourner vers des petits commerces, puis entamer une réciprocité dans l’aide de nos communautés.
Il est très difficile de ne pas être démoralisé.e lorsqu’on se bat pour un meilleur système. Mais je me dit que ma voix doit se faire entendre, et non être un écho. J’ai de l’espoir en plus d’attention, de soutien mutuel, d’aide au sein des communautés, en la responsabilité ainsi que l’équité au sein de cette industrie.”

Isaac Taylor Shane, fondateur et rédacteur en chef de The Angels, photographe, modèle
Isaac Taylor Shane, founder and editor-in-chief of The Angels, photographer, model

Isaac a publié un article à propos du shooting Not your Devil ainsi que sur Autumn Elegance dans The Angels Mag • Isaac published an article about Not Your Devil and a second one about Autumn Elegance in The Angels Mag

“I guess I could say that being able to collaborate with and inspire creatives with the Angels Magazine throughout this year is what really kept me motivated throughout the entire year since it was started a month after the Covid-19 NYC lockdown. Since April I’ve been able to grow a beautiful community within the art and fashion worlds. Being able to give creatives a chance to be featured in a publication who would not normally have these kinds of opportunities. That and all of the love and positive energy that everyone on Instagram always gives me and the simple fact that I’m literally living my dreams and my mission.”

“Je pense que je dirais pouvoir collaborer avec des créatifs.ives tout en les inspirant à travers The Angels Magazine tout le long de cette année est vraiment ce qui m’a motivé durant 2020, en sachant que mon magazine avait été lancé un mois après le confinement à New-York. Depuis le mois d’avril, j’ai eu l’opportunité de faire grandir une belle communauté parmi les mondes de l’art et de la mode. Pouvoir donner à des créatifs.ves la chance d’être publiés dans une publication qui ne leur permettrait pas d’avoir cette opportunité. Tout ceci, et tout l’amour et l’énergie positive que je reçois sur Instagram, ça et le fait que je vis littéralement mes rêves et ma mission.” 

En listant les noms de toutes ces personnes, j’ai eu l’impression de faire la liste de convives d’une boom très cool, à laquelle j’ai pu participer. 2020 aura renforcé l’importance dans nos vies de ce que nous avons déjà. Ne serait-ce que l’importance des personnes qui viennent vers nous. Qu’il s’agisse de parents, sœurs, d’amis.ies, que l’on peut voir “en vrai”, ou rencontrées par écrans interposés. En 2021, je nous souhaite d’avoir de l’espace et du temps pour nous défouler, digérer, nous reposer et collecter des moments de joie et d’amour, ne serait-ce que quelques uns.

While listing the names of these persons, I’ve felt that I was writing the names of guests to a great party that I was able to attend. 2020 has reinforced the importance in our lives of what we already have. So much as the importance of the persons who are coming towards us. Parents, sisters, friends, people we can see in real life or met on the internet. In 2021, I wish us to have enough room and space to unwind, process, take some rest, and collect moments of joy and love, even if only a few of them.

The Soul Unto Itself

Atelier Amarante fall / winter collection

“The soul unto itself” est un shooting conçu uniquement autour du poème d’Emily Dickinson. C’est plus qu’un hommage à cet écrit poétique, mais une représentation photographique des mots de la poétesse.
“The soul unto itself” is an editorial photoshoot conceived only around Emily Dickinson’s poem. It’s more than a tribute to this poetic piece, but a photographic representation of the poet’s words. 

The soul unto itself
Is an imperial friend,—
Or the most agonizing spy
An enemy could send.

Secure against its own,
No treason it can fear;
Itself its sovereign, of itself
The soul should stand in awe.–

Emily Dickinson (683)

Aphrodite, Flore, Holy Marie, Léa, Natacha

Cinq femmes, les cinq modèles du shooting, nous offrent leurs propres interprétations de chaque vers comme un cadeau qu’elles nous font. Ce cadeau est présent dans leurs mouvements, leurs regards, les émotions qu’elles partagent.
Elles personnifient l’ambiguïté du poème, cette instabilité parfaite qui se trouve chez les êtres humains, et cette fragilité glorieuse de l’existence.
Ce shooting est une histoire d’émotions et d’humeurs qui se reflètent les unes aux autres, une histoire dédiée à cette corde sensible, et au fait d’être dans la contemplation puis d’avancer. Entre l’obscurité et la lumière.
Une histoire où les robes d’Atelier Amarante, conçues pour durer, deviennent des tenues pour nous protéger ou des armures dans lesquelles avancer, un pas après l’autre.


Five women, the five models of this photoshoot, give us their own interpretation of each verse like a gift they offer us. This present is in their gestures, their gazes, the emotions they communicate. 
They embody the poem’s ambiguity, this perfect instability that can be found within humans, and this glorious fragility of existence.
This photoshoot is a story about moods and emotions that mirror each other, about that very something that strikes a chord, about contemplating and pulling yourself together. Between darkness and light.
A story in which Atelier Amarante’s dresses, built to last, become garments to feel protected or armors in which you can move, one step at a time.

Aphrodite (left) and Léa (right) wearing Atelier Amarante’s dresses
Flore (bottom left), Holy Marie (right), and Natacha (upper left) wearing Atelier Amarante’s dresses, body and skirt

Atelier Amarante

Atelier Amarante est une marque française dont Marion, la créatrice, habite Albi. La marque est une manière de montrer toute la sensibilité de Marion et son affection pour les détails élégants. Chaque pièce est inspirée par ses valeurs et centres d’intérêts : le féminisme, la littérature, la complexité de la nature, le pouvoir et l’influence des illustrations, la musique K-Pop… La marque est empreinte de la créativité de Marion, chacune de ses créations montre son amour pour les tenues intemporelles avec des éléments techniques incorporés comme des cols montants et ruchés et des manches bouffantes.
Ce qui est vraiment honorable à propos du travail de Marion, c’est le fait qu’elle s’affranchisse de la standardisation actuelle de la création vestimentaire, les tenues qu’elle propose peuvent être portées à toutes occasions, tous les jours. La marque partage alors le désir actuel de stylistes et maisons de couture : célébrer la joie de créer pour chacune des personnalités de ses clientes et clients, en n’étant plus influencée par l’industrie de la mode qui force à suivre chaque tendance et à produire toujours plus.


Atelier Amarante is a French brand owned by Marion, a fashion designer living in Albi (West Southern France). The brand is a textile demonstration of Marion’s sensitivity and love for elegant details. Each clothing design is inspired by her personal values and interests: feminism, nature’s complexity, literature, the power and influence of illustrations, K-pop music. The brand definitely harbors Marion’s strong sense of creativity, as each piece displays her love for timeless design with stitching technicalities like modern ruffle collars and puff cuff sleeves. 
What is really significant concerning Marion’s fashion design is her clothing type and style: between made-to-wear and evening gowns, Atelier Amarante’s pieces are not only created in small quantities but can be worn for each occasion. The brand shares the current willingness of many concerned fashion designers: celebrating the joy of creating for each customer’s personality and preventing any influence from the industry and its urge to follow a new trend and produce.

Holy Marie wearing Atelier Amarante’s dress and Cryptogramme Jewelry’s earrings
Natacha wearing Atelier Amarante’s dress

Comment avons-nous raconté cette histoire : la création du shooting

How we’ve told the story: the making of the photoshoot

Le salon Art Déco du Jardin Culturel est notre décor principal pour ce shooting. Le papier peint intérieur représentant une scène d’extérieur, avec des oiseaux et un ciel bleu produit une sorte d’incongruité correspondant parfaitement à mon interprétation du poème : l’idée d’être bloqué.e, à l’intérieur, s’empêchant d’aller dehors et de ne pas vivre pleinement le moment présent.
Plus nous continuons de lire le poème, plus nous ouvrons des portes sur le décor, laissant entrer la lumière naturelle, et nous montrons que nous ne vivons plus cette phase de contemplation qui mène à un sentiment accablant.
La lumière est l’élément technique central de ce shooting. L’éclairage agressif et froid de la softbox, placé très près des modèles, crée une atmosphère onirique ou cauchemardesque. Les ombres portées des modèles présentes en arrière-plan renforcent l’idée d’être vue, d’examination de soi, et de l’existence de pensées nuisibles contre soi-même. Ajouter ce type d’éclairage à un décor Art Déco vide nous a permis de créer un shooting éditorial métaphorique, le tissu même du poème.
Les modèles ne regardent pas l’objectif, mais se regardent elles-mêmes. Nous sommes allées plus loin dans le thème du regard sur soi avec les différents miroirs et objectifs que nous avons utilisé : le cristal kaléidoscopique montre la multiplicité d’émotions, de sensations et de questions, tandis que le prisme avec les feuilles d’aluminium propage des reflets colorés des tenues, parallèles aux échos de nos personnalités. Les miroirs nous ont permis de souligner l’idée d’observation : les miroirs cassés montrent à quel point il peut être difficile de s’observer, tandis que les miroirs placés sous les pieds des modèles désignent le fait de dominer ses peurs et émotions négatives.

Ce n’est pas un shooting qui a une morale ou une fin heureuse, mais qui exprime plutôt un moment de doute, des émotions brutes et complexes. Des instants fuyants, passant d’une instabilité et un chaos intérieur à une explosion de sentiments et une nouvelle sensation de stabilisation.


The Jardin Culturel’s Art Deco lounge is our only setting for this photoshoot. The indoor wallpaper representing an outdoor scene with birds and blue sky produces a sort of incongruity matching my interpretation of the poem: being stuck inside (in your own thoughts) preventing yourself from going outside and not fully living in the moment. The more we continue reading the poem, the more we open doors at the setting, let in the natural light, and show that we are no longer experiencing this contemplation phase, leading to an overwhelming feeling.
Light is indeed the central technical aspect of the photoshoot. The cold and aggressive softbox lightning, very close to the models, creates a nightmarish (or fever dream-like) atmosphere. The models’ cast shadows present in each background build on the thematics of self-examination, the existence of your harmful thoughts against yourself, and the sensation of being seen, catching the eye. Adding this type of lightning in an empty Art Deco setting results in the making of a metaphorical editorial, the poem’s fabric.
The models are not actually looking at me, but looking at themselves. We go further with the theme of scrutiny with the different mirrors and lenses that we use: the kaleidoscopic crystal shows the multiplicity of selves within each person, and the aluminum paper prism is an illustration of the echoes of the self. Mirrors help us literally underscore the act of observation: broken mirrors show how difficult it might be to look at yourself, whereas mirrors put under the models’ feet prove that they transcend this act and dominate their fears and negative feelings. 
This is not a photoshoot providing a sort of “moral value” or happy ending; it’s just about a moment of doubt, complicated feelings, and raw emotions. It’s a series of fleeting instants, from instability and inner chaos to bursts of emotions and restabilization.

Natacha wearing Atelier Amarante’s dress
Léa wearing Atelier Amarante’s dress and Cryptogramme Jewelry earrings
Holy Marie wearing Atelier Amarante’s dress

Pour soutenir notre équipe
Last but not least: support our crew

J’ai pu rencontrer chaque membre de cette équipe pour le shooting The soul unto the self (la marque Atelier Amarante ainsi qu’Aphrodite, Flore, Holy Marie, Léa, Natacha, les modèles de ce shooting) uniquement grâce aux réseaux sociaux
Si vous souhaitez ajouter un peu de délicatesse et de poésie à votre feed Instagram, suivez la marque sur les réseaux sociaux ! Découvrez également chaque univers singulier et portraits des modèles en vous abonnant à leurs comptes.
Ma rencontre avec ces six femmes talentueuses prouve l’importance du soutien sur les réseaux sociaux, et qu’hormis la course aux likes, ils sont nécessaires pour nous, créatifs.ves qui souhaitons raconter des histoires et travailler avec des personnes de talent !
Je vous raconte plus en détails ma rencontre avec l’une des modèles, Holy Marie.

Tout a commencé par une vidéo (et beaucoup de soutien).
En début d’année, parmi les nombreuses informations que je lisais et images que je regardais, je suis tombée un soir sur une vidéo publiée par Olitax. Elle date du soir de la manifestation dénonçant les nominations de Roman Polanski aux Césars 2020, et on y voit une personne, dans la foule, se déplaçant à béquilles, puis se faire violemment jeter à terre par un CRS. 
Cette personne, c’est Holy Marie.
Son identifiant étant indiqué, j’ai pu ensuite la contacter pour lui communiquer mon soutien.
J’ai découvert le portrait d’une femme intelligente, d’une modèle talentueuse, d’un être humain tourné vers les autres. J’ai aussi découvert sa profession de travailleuse du sexe qui est intrinsèquement lié à son activisme. Holy Marie publie des textes et visuels informatifs, elle sensibilise sa communauté concernant son travail, ses collègues et les dangers de l’idéologie « abolitionniste » du point de vue de son travail, ainsi que du validisme.
Holy Marie a été l’une des cinq modèles brillantes du shooting “The soul unto itself”, et aujourd’hui alors que nous publions notre travail en ligne, elle pourrait être interdite de parole sur les réseaux sociaux, plus particulièrement sur Instagram.
Il y a quelques temps, son compte a été inactivé, son pseudo est devenu introuvable, et ce, sans aucun avertissement. Pourquoi ? Car aujourd’hui, lorsqu’on veut militer, parler de son métier de TDS, parler de sexualité, de son corps, publier des photos artistiques de nu (qui obligent à trouver de nouveaux stratagèmes pour cacher nos petites parties du corps saillantes et pigmentées appelées tétons), notre existence dans ce royaume en ligne peut être supprimée.
La vidéo dure seulement 8 secondes, Holy Marie a été brutalisée en 2 secondes, je l’ai contactée en seulement 30 secondes.
Il a fallu moins de temps pour effacer toute présence de son activisme, de ses mots et son art.
Si vous souhaitez également lui apporter votre soutien, vous pouvez vous abonner à son compte et lui donner plus de poids sur cet espace où sa voix est menacée.


I met each member of the team of “The soul unto the self” photoshoot (the brand Atelier Amarante, as well as Aphrodite, Flore, Holy Marie, Léa and Natacha, the models) only thanks to social media.
If you want to add more delicacy and poetry to your Instagram feed, follow the brand! Also, learn more about each model’s unique inner world by following on Instagram them as well.
My meeting with these six talented women confirms the importance of supporting people through social media, and that these interfaces, apart from Instagram’s race for likes, are necessary for us creatives who want to tell stories and work with talented people!
I tell you more details about my meeting with one of the models, Holy Marie.

At the beginning of this year, amid all the news, testimonies, and pieces of information I read, I came across a video posted by Olitax. It was shot the night during the protests against Roman Polanski’s nominations during the 2020 Césars ceremony. On it, you can see a person, among the crowd, walking with crutches and then being suddenly and aggressively thrown on the floor by a CRS (a member of the riot police). 
This person is Holy Marie.
As her I.G user ID was mentioned, I could contact her and send her my support. 
As soon as I get in touch with her, I discovered the life of an intelligent woman, a talented model, and a human being who does care about others. I also learned about her work as a sex worker, which is inherently linked to her activism. Holy Marie posts numerous informative texts and graphic designs and raises awareness concerning her work, colleagues, and how dangerous SWERF and ableism ideologies are. 
Holy Marie was among the brilliant models of the Soul unto itself photoshoot, and today, as we present our work on social media, she may be prohibited from speaking, specially on Instagram.  
A couple of weeks ago, her account was deleted, and this, without any foreword.
Why? Because today, when you want to defend the causes that are significant to you, use your voice, be loud, talk about your work as a sex worker, talk about sexuality, your body, post artistic nudes (which make us forced to find new strategies to hide the raised region of tissue on the surface of our breast named nipples), well, you can bid farewell to your existence in this virtual kingdom.
The video only lasts for 8 seconds; in only 2 seconds, Holy Marie was ill-treated; within 30 seconds, I contacted her.
It took less time to delete any trace of her activism, her words, her art.
If you want to show your support to her, follow her, help her grow her impact in this threatening place where her voice is threatened. 


Atelier Amarant: Facebook / Instagram
Models: Aphrodite, Flore, Holy Marie, Léa, Natacha
Place: Jardin Culturel : Facebook / Instagram
Special thanks to Cryptogramme Jewelry and Maison Kurage

“Réagissez, rugissez !” et lisez Within the den – “Take action, be loud!” and read Within the den

Dans l’élaboration de tendances et des standardisations, la presse est, pour moi, un domaine important dans la mode. Qui décide ce que l’on “doit” porter ? Ce qui devra donc être présenté sur papier glacé et en même temps porté sous des lumières incandescentes durant des défilés, (sur)produit, transporté, emmagasiné ? Même si elle est corollaire de l’état des marchés, du travail des bureaux de tendances, la presse paraît, pour ces lecteurs et lectrices, comme primordiale. On parle bien de “bible de la mode”.
La presse genrée féminine, bien qu’elle ne consacre parfois qu’une partie de ces articles aux textiles et accessoires, a, toujours eu pour moi une fonction impérative : il faut porter ceci, il faut faire cela. Comme un code de conduite publié selon une fréquence, j’ai toujours trouvé qu’il y avait une valeur d’absolu dans ce genre de lectures, contraire à la part de créativité qui existe au sein de la mode, et donc aux éventuelles “objections”, qui seraient plutôt le reflet de ce que l’on aime et veut porter. Heureusement, aujourd’hui, de nombreux magazines, sur papier comme sur le web, s’affranchissent de cette manière de “dicter” le “must” et de montrer du doigt les “has been”.
Within the den, un magazine féminin fondé par Balkis Hmida, s’inscrit dans ce renouveau. Son dessein principal : “l’empowerment”, paradoxal à la frustration qui faisait vendre il y a encore quelques années. Les autrices demeurent positives, bienveillantes, et avant tout humaines : elles prennent la parole sur des faits d’actualité, parlent de leurs inspirations mode, donc de ce qui leur plaît, rédigent des articles de fond, sans jamais se placer au-dessus de leurs lectrices et lecteurs, bien au contraire. Entretien avec Balkis Hmida.


Concerning the making of fashion trends and standardizations, print media take, to me, a significant part in this process. Who makes fashion? Who decides what we have to wear and what will be presented on glossy paper and under catwalk’s lights? What should be (over)produced, transported, put into stores? Even if it’s a corollary to the current state of the market, and to what has been decided by trend forecasting agencies, the magazines appear to be to their readers, an essential source. We often mention the terms “fashion bible.”
Even if fashion is only a column among others, women’s magazines have always had a sort of crucial function, as they often urge the importance of fitting and buying the latest fashionable pieces of clothes to their readers. It’s a sort of “code of conduct” with official rules published on a frequency. I’ve always thought that it was contrary to the creativity that inherently exists in the fashion industry, and so to the potential “objections” that we’d have, which are more the reflections of what we actually love and want to wear. Fortunately, today, a lot of women’s magazines, on paper or the web, free themselves from this way of “dictating” the “must” and point out the “has been.”
Within the den, a women’s magazine founded by Balkis Hmida, dovetails with this editorial renewal. The principal aim of the magazine? Empower each other, which is really paradoxical to the frustration that many women’s magazines used to sell a few years ago.
Within the den’s journalists are positive, altruistic, and mostly, humans: they talk about different current issues, their fashion inspirations (so, what they like), and featured stories, and this without being above their readers, on the contrary. Interview with Balkis Hmida, founder of the magazine.

  • Que représente la presse féminine classique pour toi, que souhaites-tu conserver et modifier dans ce domaine ? 
  • What do mainstream women’s magazines mean for you? What do you want to keep and reject concerning this area? 

La presse féminine classique pour moi représentait un esprit cloisonné. Comme une secte fermée qui nous rabâchait les mêmes sujets sans cesse. La presse classique, d’il y a quelques années est culpabilisatrice et majoritairement blanche. Pas très inclusive, en bref. Cependant, pas toutes les presses se ressemblaient. Les lignes éditoriales de l’époque suivait une mentalité qui n’était pas encore déconstruite des diktats de la société. Je souhaiterai conserver l’esprit d’équipe et les bases du journalisme, mais modifier tout le reste (très prétentieux haha). J’ai souhaité créer un magazine qui se présente comme un safe space, qui aborde des sujets importants et souvent tabous, mais aussi de bien-être et de développement personnel. Le but est que tout le monde se sente inclus et surtout compris. Le but est qu’en ouvrant WTD, vous vous sentiez bien et at peace.


Women’s magazines, to me, represented close-mindedness. A sort of restricted system which published over and over the same topics. The mainstream media used to blame its readers and make them guilty of something and were mainly white. Not really inclusive, to sum up.
However, not all print media look alike. The editorial policy belonged to a fixed mindset that wasn’t released out of the society’s obsessions. I would like to keep the teamwork spirit and the basis of journalism, but modify all the rest (so much cocky, ahah). I wanted to create a magazine that looks like a safe space, which tackles different issues, often taboo, and contains articles about well-being and personal development. The aim is that everyone feels included and mostly understood. When you open WTD, you must feel good, and at peace. That’s the goal.

  • Comment as-tu pensé ton magazine au départ ? 
  • How did you conceive your magazine when you started it? 

Au départ, Within The Den était un “bric à brac élégant d’articles en tout genre”. Un magazine qui ne souhaitait pas avoir de ligne édito précise par peur de se fermer des portes (une grosse erreur). Je ne voulais pas me limiter à parler d’une seule chose, mais nous n’avons jamais été aussi libres de nous exprimer sur divers sujets qu’en trouvant notre niche et notre ligne édito. 


In the beginning, Within the Den was a “nice bric-à-brac of miscellaneous articles.” A magazine that didn’t want to follow any specific editorial policy, to keep our options open (a big mistake). I didn’t want to limit myself to one topic only, but we have never been freer to express ourselves on different matters than when we found our niche and editorial policy.

  • Quel est le ton que tu as souhaité adopté et le rapport avec ta communauté ? 
  • What’s the tone you wanted to have and your relationship with your community? 

Comme tu l’as si bien dit, un ton positif, bienveillant et réconfortant. Je perçois ma communauté comme des amies, qui peuvent venir nous parler et témoigner quand elles le veulent, ou même nous demander d’écrire sur certains sujets qu’elles souhaiteraient que l’on aborde. Ce magazine, avant d’être pour nous, est aussi pour toutes les elles et ils qui avaient besoin d’un média ouvert.  


As you said it, a positive tone, benevolent and comforting. I see my community as friends who can talk to us and declare what they want, when they want, or even ask us to write about different issues they wanted us to introduce. Before being made for us, this magazine is dedicated to all the “they” who need an open media. 

  • Penses-tu que la mode comme la presse féminine soient au diapason de notre société, ou qu’elles n’en soient pas le reflet ? 
  • Do you think that fashion women’s magazines are a reliable mirror of society or its opposite? 

Personnellement, je trouve qu’aujourd’hui, certaines presses féminines (Censored, Tapage, Paulette) reflètent bien notre société. Nous avons la chance de vivre dans une société ou la démocratisation d’internet a permis à nombre d’entre nous de nous lancer et de défendre les valeurs qui nous tiennent à coeur et d’entreprendre. Certains médias restent néanmoins à la ramasse, mais ça, c’est comme partout.


Personally, I think that today a few women’s magazines (Censored, Tapage and Paulette) are a reflection of society. Luckily, we live in a society where internet is more accessible and has allowed some of us to throw ourselves into projects, make a stand, and defend the values that matter to us. Some media are still completely off the beam, though, but it’s a more common issue.

  • Quels sont tes futurs projets avec Within the den ? 
  • What are your future plans with Within the den? 

Pas mal de projets sont à prévoir pour fin 2020 et 2021. Notamment un numéro 2 (info exclusive haha), des projets visuels et des petits hors séries. Nous avons hâte de vous montrer le fruit de notre dur labeur quotidien ! 


Many projects for the end of 2020 and the beginning of 2021, including the second issue (exclusive information, ahah), visual projects, and special issues. We look forward to showing you the results of this hard work!


Cover of their first issue
The team

“Not your Devil”

Tout a commencé par les créations de Cécile, Manon et Marie. Marie teint, découpe et assemble, Manon imagine, coud et peaufine, Cécile conçoit, modèle et façonne. Toutes trois changent la donne dans les domaines de la lingerie et du vêtement porté, tant dans la délicate dentelle de Manon aux inspirations florales, comme dans les précieux tissus colorés naturellement de Marie que dans les boucles des ceintures de Cécile à la pâte de bronze et aux formes organiques.

Il y a (à peu près) mille et une combinaisons possibles lorsque l’on associe un body, un tissu et une ceinture. Le body, c’est la toile de fond, le tissu, la fluidité, la ceinture, l’encadrement. J’ai donc fait une rapide association et j’ai conclu qu’il fallait vraiment qu’on travaille ensemble. 


It all started with what Cécile, Manon and Marie make. Marie dyes, cuts and patches fabrics, Manon imagines, sews and puts the finishing touches on her lingerie, Cécile conceives, models and shapes belts.
The three of them bring beautiful and amazing changes concerning lingerie and clothing: in Manon’s delicate lace inspired by nature, or in Marie’s natural dyed fabrics and Cécile organic shaped belt buckles.
When we associate a body, a fabric and a belt, there are (roughly) a thousands possible clothing combinations. The body is the background, the fabric is the fluidity, the belt is the frame. So, I’ve quickly connected these three elements and their makers together and hit upon this: we should work as soon as possible. 




En imaginant les tenues portées, j’avais en tête des figures mythiques : Athena, Leto, Artemis, et tous ces magnifiques drapés façonnés dans ces statues de déités aux histoires complexes, mais aux caractères toujours francs. Et tout d’un coup, le roman d’Hemingway Le Jardin d’Eden m’est venu en tête, et plus particulièrement le personnage de Catherine Bourne. Et vous allez comprendre pourquoi.


When I imagined the different outfits, I had in mind mythological figures: Athena, Leto, Artemis, and all these beautiful drapery cast on these deities statues of complex stories but bold personalities. Suddenly, Hemingway’s Garden of Eden came to my mind. Particularly, the character of Catherine Bourne. And here’s why:


La sensualité et le soleil sont les deux points cardinaux de ce roman. Le lecteur n’a d’autre choix que d’adopter le point de vue de David Bourne, romancier à succès dont la femme, Catherine est décrite comme jalouse. Catherine, adoptera, au fil des pages, un caractère dominant, tant dans sa propre affirmation que dans sa relation avec Marita, une jeune femme dont le couple va tomber amoureux.

J’ai lu beaucoup d’analyses à propos de cette oeuvre, mais je n’arrive pas à oublier comment David appelle sa femme : “Démon”. Catherine prend des initiatives, parfois elle s’impose, certes, et lance des remarques salées à son mari. Elle blesse également. Mais sans elle, il n’y a aucune histoire. 

Retrouver ce schéma d’une femme prenant (bien-sûr), trop de place, et d’un mari jouissant de ses interventions tout en la traitant de vile créature est plutôt (très) fatigant. 


The novel is a cocktail of sun and sensuality. The reader has to adopt the point of view of David Bourne, a successful writer whose wife, Catherine, is said to be jealous. Throughout the pages, Catherine will evolve and become a dominant character. It is shown both in how she asserts herself with her husband and in her relationship with Marita, a young woman who becomes the love interest of the couple.
I’ve read a lot of articles about this literary piece, but I can’t forget how David calls his wife: “Devil”. Catherine takes the bull by the horns, gains control and sometimes makes barbed comments on her husband and hurts him with her words. However, without her, there’s no story.
Finding again this scenario of a woman taking (of course) too much initiative and room, while her husband both enjoys it and insults her as a vile creature is (really) boring.



Dans ma recherche d’une histoire à raconter, j’ai pensé que Catherine, tout comme les figures féminines qui lui font écho, est d’abord et avant tout une femme qui fait preuve de force et d’intelligence. Il y a, en effet, beaucoup de qualité dans ces défauts.
Alors, avec les créations de Cécile, Manon et Marie, j’ai souhaité fabriquer les tenues d’une femme, Catherine, Athena ou tout autre personnalité illustrant la puissance et la force que l’on retrouve chez ces figures diabolisées.


In my search of a story to tell, I thought that Catherine, as the many female figures that echo her, is, first and foremost a woman who shows how strong and smart she is. Many qualities are reflected on her flaws. So, with the pieces of clothing made by Cécile, Manon and Marie, I wanted to create outfits for a woman, Catherine, Athena or any other personality illustrating the power and the attributes of these devilish figures.


08 Ig

Le choix de la modèle fut unique : il s’agit de Laetitia Kitegi. Photographe et modèle, je savais que Laetitia comprendrait cette histoire. Sa capacité à capturer des instants sur le vif se retrouve dans son agilité à exécuter des gestes parfaits. Pas seulement à prendre la pose, mais à incarner et me donner la possibilité de capter le beau et les nuances de cette série.


It took me less than a second to choose the model: Laetitia Kitegi. As she is a photographer and a model, I knew she’d understand the story. Her ability to catch moments from life corresponds to how she demonstrates her poise, elegance and she embraces the character. Not only to strike the pose, but to become someone else and giving me the possibility to seize beautiful instants and all the nuances of this photoshoot.  



“Not your devil” est une série de photographies impliquant cinq femmes, réunies le temps d’une matinée pour parler de Catherine Bourne, mais aussi de tous ces stéréotypes sur les femmes dans la fiction, qui ont un mauvais rôle et sans qui l’histoire ne serait rien. C’est également un hommage à la création textile et aux artisanes qui se consacrent à la mode slow.


“Not your devil” is a series of photographs which involves five women, gathered in a morning to talk about Catherine Bourne, but also about the stereotypes that exist against women in fiction, who are the “villain” but without whom the story would be nothing. It is also a celebration of fashion design and a tribute to craftswomen who dedicate their works to slow fashion. 


Model: Laetitia Kitegi
Body: Eternel Ephémère
Fabrics: L’atelier Maison
Belts: Ysun Ysun 
Place: Bibliothèque d’Etudes et du Patrimoine, Toulouse